martes, 29 de diciembre de 2009

EL ARDOR de Marcelo D'Andrea

el ardor
ESTRENO 16 DE ENERO 2010
Un mecánico es tomado de las tripas por un locro que devoró.
El ardor estalla en él con su historia de mestizaje, mezcla de naturaleza y cultura.
¿Que movimiento de nuestra historia es más repetido que las luchas intestinas?
La historia del mecánico contada como espasmos de humor.
La repetición de nuestra historia expuesta como tragedia.
Actúa: Marcelo D'Andrea
Dirección: Ricardo Holcer
Los sábados a las 22 en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960 (mapa), Ciudad de Buenos Aires.

Diseño de escenografía e iluminación: Ricardo Holcer
Realización de escenografia: Marcelo D´Andrea
Vestuario: Claudia Curetti
Asistente: Sergio Lapalma

Un solo cuerpo en la escena: el mecánico.
Un hombre en la multitud de su propio cuerpo.
Está dentro de una heladera de carnicería o frigorífico.
Tiene hambre. No comió. Pero devoró un locro.
La ingesta de este símbolo gastronómico de nuestra historia se vuelve indigerible y en el interior de su cuerpo estalla una lucha intestina.
Intenta reparar un motor cuyas descargas eléctricas intensifican su cuerpo-locro y hacen máquina con él.
El mecánico es tomado de las tripas por el locro y su historia de mestizaje, mezcla de naturaleza y cultura.
Va del lenguaje a la arcada en idas y vueltas frenéticas.
Es entonces cuando ocurre la contaminación del dolor por la risa, del sufrimiento por el humor, de la tragedia por la comedia.
Que movimiento de nuestra historia es más repetido que las luchas intestinas?
La historia del mecánico contada como espasmos de humor.
La repetición de nuestra historia expuesta como tragedia.
Es una mezcla, un locro, del que cada uno hereda su parte, aún si no la conoce ni la sostiene.
Toda la memoria del mundo se posa sobre cada pueblo oprimido.
Toda la memoria del yo se juega en cada crisis orgánica.
Las arterias del pueblo al que pertenezco puebla mis arterias.

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miércoles, 23 de diciembre de 2009

CHAMÉ Y GENÉ ESTUDIOS TEATRALES

CURSOS 2010:
CLOWN - BUFON - MASCARA NEUTRA - MELODRAMA - PREPARACIÓN FÍSICA
Para: actores y estudiantes de teatro
Profesores: Gabriel Chamé - Hernán Gené y profesores invitados

cludelclaunObjetivos:
Que los alumnos se entreguen al arte del teatro con pasión y con una técnica depurada. Que sean capaces de crear un teatro personal y personajes sorprendentes por su verdad, belleza y humanidad. Que disfruten en el escenario y que no aburran al público. Nuestro objetivo es que cada uno encuentre el placer durante la creación de un teatro vivo. Para esto, todos los elementos prácticos y teóricos que se brindan en la escuela (preparación física, bufón, máscaras, melodrama, seminarios especiales y nociones de dramaturgia y de puesta en escena, etc.) son fundamentales para comprender y vivir la experiencia. Que comprendan la necesidad de autogestionarse y se transformen en generadores de su propio trabajo.

Podés consultar días, horarios y toda la información en la web de la escuela: http://www.chame-gene.com/
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jueves, 17 de diciembre de 2009

FUEGO ENTRE MUJERES

fuego entre mujeres
En enero José María Muscari estrena Fuego entre Mujeres en el Teatro Tabaris. Se trata de una remake de su éxito Piel de Chancho. Tres mujeres comparten su amor por Sandro y prometen hacer arder el verano.
Actúan: Irma Roy, Dalma Maradona y Mónica Salvador.
Podés seguir los ensayos y las novedades en su blog: http://www.fuegoentremujeres.blogspot.com/

Fuego entre mujeres es la historia de tres mujeres atravesadas por una catástrofe familiar, social y personal, con un humor irónico, mordaz y negro, para tratar temas tan cotidianos como dislocados. Una abuela, que debe transplantarse piel de chancho para dejar de ser un esperpento humano, es agobiada por su hija que, medicada, no se anima a enfrentar su sexualidad, en tanto su nieta, una joven anoréxica y bulímica, sueña con ser Fairuz, mientras se entrega a la agresión.
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TALLERES INTENSIVOS DE ACTUACIÓN

VERANO 2010
Para actores principiantes e intermedios, directores o estudiantes de cine y todo aquel que desee desarrollar su capacidad creativa, imaginación y sensibilidad, mejorar la relación con su cuerpo y sus emociones, explorar, jugar, conocerse y conocer a otros, divertirse y ejercitarse en la actuación.
Docente: Valeria Radivo, actriz, directora y docente de la E.N.E.R.C.
Días y horarios: Enero (2ª Quinc.): Lunes a Jueves 20 a 23 comenzando el 18 de enero (4 clases por semana, 8 clases en total) - Febrero: Lunes y Miércoles de 20 a 23 comenzando el 1 de febrero (2 clases por semana, 8 clases en total)
Lugar: Sanchez de Bustamante 766 – Timbre 4 - Buenos Aires
Valor de cada taller: $ 220 Cupo máximo: 15 personas
Informes e Inscripción: 15 6280 1333 o valeriaradivo@gmail.com

Valeria Radivo se ha formado como actriz con Julio Chávez, Fernando Piernas y Augusto Fernandes y es egresada de la Universidad del Cine como realizadora cinematográfica. Además ha estudiado distintas técnicas corporales y de la voz como danza, bioenergética y Feldenkreis. Se ha desarrollado profesionalmente trabajando como directora de cine y teatro, actriz, coach de actores, guionista y docente.
Desde el año 2001 es Titular de la Cátedra de ''Dirección de Actores I'' en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (E.N.E.R.C.). También, a partir del 2008 dicta junto a Alejandro Casavalle en la E.N.E.R.C. la materia “Dirección de Actores III”. Tiene a su cargo el “Taller de Actuación” en Image Campus, escuela de animación 3D. Además, se desempeña como docente de “Dirección de Cine”, “Dirección de Actores” y “Actuación frente a cámara” en el Centro de Investigación Cinematográfica (C.I.C).
En 2008 dirige la improvisación remota “Código BA” en el marco del festival de teatro Tecnoescena junto a Alejandro Casavalle. Es coguionista junto a Hernán Belón de ''El regreso de Saturno'', guión de largometraje ganador de la beca de la Cinefundación del Festival de Cannes y del guión de largometraje “El Campo”, película que se encuentra actualmente en preparación protagonizada por Mia Maestro y Leonardo Sbaraglia. Dirige dos obras de teatro, ''Furias, cuatro historias'' en 2002 y ''La Mulánima'' en 2003, ambas con el apoyo de Proteatro. Paralelamente, trabaja como coach de actores en publicidad para Altana Films. Dirige varios cortometrajes en video y en fílmico, entre los que se destaca “Perrito“, seleccionado para el Festival Independiente de Buenos Aires, el Festival Williamsburgh Nueva York y el Festival Cinematexas. En el 2003 entrena a los actores de la película ''Pesque y pague'' de Hernán Belón ganadora del concurso del INCAA “Trece peliculas sobre la crisis”. En1999 dirige el documental “Buenos Aires Herzog” producido por el Instituto Goethe y la Universidad del Cine. Se desempeña además como jefa de producción de una serie de cuatro documentales sobre personalidades de las Ciencias Sociales (entre ellos Alain Touraine) realizados con el apoyo de la UNESCO para el canal Encuentro.
Como actriz trabaja en 2007 y 2008 en la obra de teatro ''Mirar el Mar'' dirigida por Susana Pampín y realiza trabajos en cine (“Amores chinos”, largometraje producido por Bastiana Films y Avila TV, Venezuela) y en TV (“Rosa, Violeta y Celeste” en Canal 7, “De aquí a la eternidad” en Foxtoma1). Participa en 2005 de la performance dirigida por Sofía Medici “IPP” en el Centro Cultural Borges y en Estudio Abierto. En 2002 actua en la obra de teatro “Furias” y realiza en 2003 el unipersonal ''Sporca putana'' en el Espacio Freire y el Centro Cultural Pestalozzi. Actualmente se encuentra preparando “La colección“ de Harold Pinter, dirigida por Alejandro Casavalle.
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viernes, 11 de diciembre de 2009

45 AÑOS DE LA ESCUELA ARGENTINA DE MIMO, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN CORPORAL

escuela de mimoCon nueve lustros de trabajo ininterrumpido sobre sus espaldas, la escuela que dirige Ángel Elizondo realizará una serie de espectáculos en diversos espacios teatrales de la ciudad. Obras de teatro, Milongas, proyecciones y muestras de alumnos forman parte de la grilla de actividades. Pionera en su rubro, la institución continúa su tarea de formación de artistas.
Algunas actividades programadas para los próximos días:
Viernes 11/12: A partir de 23hs - Scalabrini Ortíz 1331, Palermo. Día del Tango: Milonga en el Parakultural, con Omar Viola y Parakulturales.
Solicitar entrada con anticipación a los Profesores de la Escuela.
Miércoles 16/12: 18.30hs - Asociación Argentina de Actores. Adolfo Alsina 1762/66
Lo Corporal y el Mimo para el Actor de Teatro. Ángel Elizondo. Ponencia para Congreso de Teatro Iberoamericano y Argentino con proyección de videos y posible asistencia de ex Alumnos Actores.
Jueves 17/12: 20hs - Teatro Lamascara. Piedras 736. Proyección obra KA...KUY
Grabada en Koln. Gira por Alemania. El desnudo. Las prohibiciones. Comienzo en el Di Tella. Presencia de integrantes de la vieja Compañía.
Viernes 18/12: 20hs - Lugar a designar (4382-4743) ACTO EXPERIMENTAL
A cargo de Ángel Elizondo y alumnos avanzados actuales. Diálogo con espectadores. Intervienen: Marcos Cecere, Ximena Lanosa, Javier León, Nicolás Obregón, Sandra Pauli.
Sábado 19/12: 17.30hs - Escuela, Corrientes 1979. La Escuela en la Actualidad.
Clase Abierta a cargo de los Profesores de la Escuela Argentina de Mimo, Expresión y Comunicación Corporal: Lucas Maíz, Julia Elizondo, Nuria Schneller. Con comentarios.
Para jóvenes y adultos. Concurrir con ropa de trabajo.
Estas actividades cuentan con el auspicio de Proteatro, de la Asociación Argentina de Mimo y la adhesión de la Asociación Argentina de Actores.
Sobre la Escuela

La actual Escuela Argentina de Mimo, Expresión y Comunicación Corporal fue fundada en Marzo de 1964 por su actual director: Ángel Elizondo con el nombre de “Escuela de Mimo, Pantomima y Expresión Corporal de Ángel Elizondo”.

A partir de las enseñanzas que Elizondo toma de su viaje a Europa en el que se formó con los Maestros Etienne Decroux, Maximilien Decroux y Jacques Lecoq, la Escuela se crea dando un nuevo enfoque a estos aprendizajes, reelaborándolos, dándoles un matiz más propio, más nuestro del ser Latinoamericano.

En el año 1965, se crea la Compañía Argentina de Mimo de Ángel Elizondo, que en la década del 70 cambia su nombre a Compañía Argentina de Mimo, con la que se presentaron a lo largo de estos 45 años más de 25 espectáculos en teatros y espacios alternativos dentro y fuera del país.

La Escuela propone a través de su trabajo en las clases y en la Compañía una búsqueda seria y profunda del cuerpo en el Mimo, encuadrado en lo que Decroux definió como “Una sucesión de acciones presentes”. De vital importancia en esta búsqueda es la estructura de Liberación y juego, el Objeto liberativo y “el otro”, elementos que surgieron como parte de la experimentación e investigación de Elizondo en la E.A.M con respecto al juego y la verdad actoral.

Una característica importante de la E.A.M es que fue y sigue siendo motor de actividades y propuestas que exceden el marco de la Escuela. Así el primer alumno que tuvo la Escuela, Norberto Campos, formó el grupo Lobo, cuyos espectáculos en el Di Tella fueron revelación para la escena teatral de la época. Entre 1964 y 1971, un ex alumno Alberto Sava organizó su Escuela propia y luego el Primer Congreso y Festival Latinoamericano de Mimo”. En el 2003 se realizó el Festival Latinoamericano de Mimo número 13 organizado por la Asociación Argentina de Mimo, presidida por Sava en ese entonces. En la década del ’80 Omar Viola, Eduardo Bertoglio junto a otros integrante de la Compañía Argentina de Mimo de esos años crearon el Parakultural... y los ejemplos siguen.

La Escuela fue evolucionando adaptándose a los distintos contextos sociales y políticos, superando etapas de represión inclusive, siempre conservando su espíritu inquieto y apasionado en la indagación del lenguaje corporal de la acción. Pero también siempre abierta y con ánimos de renovarse.

Actualmente la Escuela funciona en la Casona del teatro de Beatriz Urtubey y estamos transitando nuestra primera experiencia de cursos cuatrimestrales.

La Compañía Argentina de Mimo continúa trabajando, su último espectáculo dirigido por Elizondo es Vestirse Desvestirse que se presentó con éxito en el 2008 y 2009 en Buenos Aires.



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Revista de Teoría y Crítica Teatral "telondefondo" Nº10

Ya se encuentra on line el N° 10 de telondefondo. Revista de Teoría y Crítica Teatral (http://www.telondefondo.org/), ISSN 1669-6301, primera revista electrónica sobre temas teatrales de la Universidad de Buenos Aires; publicación semestral, de consulta libre y gratuita, indizada en Latindex (Sistema Regional de Información en Línea para Revistas Científicas de América Latina, el Caribe, España y Portugal) y en Intute: Arts and Humanities (Reino Unido).
Podrás encontrar ensayos, el dossier "Teatro chileno hoy", entrevistas, conferencias y análisis de espectáculos...
SUMARIO Año 5, N° 10, diciembre 2009

ENSAYOS
-La teatralidad de/en algunos textos onettianos: el juego con la visibilidad de los procedimientos (muerte, recursividad e incesancia).
Patricia Fischer
-Aproximación lacaniana a Stanislavski: la novela familiar del Sistema.
Gustavo Geirola
-Constructivo/Destructivo: espacialidad, corporalidad y disciplina en la mirada teatral contemporánea.
Natalia Di Sarli - Gustavo Radice
-Lectura semiótica de Un día especial y La que sigue, en Cuatro ejercicios para actrices de Griselda Gambaro.
Josefina Vargas Fonseca
-Voces teatrales libertarias durante el Cordobazo. Una experiencia desde el teatro político.
Carlos Fos
-Affabulazione de Pier Paolo Pasolini: entre el drama clásico y el teatro posdramático.
Paula Riva

DOSSSIER: “TEATRO CHILENO HOY”
(Coordinado por Andrés Pereira Covarrubias)

-Aproximaciones para el estudio de una generación de dramaturgos chilenos contemporáneos: estrategias alegóricas en la obra de Juan Claudio Burgos.
Mauricio Barría Jara

-La escena en riesgo: espacios, políticas e institución (1990-2008).
Benito Escobar Vila

-Líneas de fuga de la fiesta oficial: apuntes en torno al Encuentro de Teatro Porteño Independiente.
Camila van Diest

- Un mapa en el suelo: apuntes sobre las dramaturgias chilenas del Bicentenario.
Cristián Opazo

- Estéticas de la presencia: otros aires en el teatro chileno de principios del siglo XXI.
María José Contreras Lorenzini

-La subversión política. Ideario de lo político y niveles de participación en Carne de Cañón del Colectivo de Arte La Vitrina.
Andrés Grumann Sölter

- Retornos (sobre teatro y hegemonía en Chile después de 2001).
Andrés Pereira Covarrubias

-Historia chica. Problemas elementales en una fiesta de cumpleaños.
Cristián Keim

-Una mirada crítica sobre la historiografía del teatro chileno.
Fabián Escalona

-Un encuentro de camarín con Trinidad González y Paula Zúñiga, actrices de la Compañía Teatro en el Blanco (Neva y Diciembre), durante sus funciones en el FIBA 2009
Ana Corbalán Herrera

-Diálogo entre Soledad Lagos y Cristián Plana, a propósito de Comida alemana, de Thomas Bernhard, el 24 de septiembre de 2009.
M. Soledad Lagos

ENTREVISTAS

-Clima chejoviano en una fotografía marplatense. Entrevista a Mauricio Kartun a propósito de Ala de criados (2009)
Ezequiel Lozano

-Cristina Escofet, derivas de Género y de la Historia.
Teresa Gatto


CONFERENCIAS

-El sistema de Stanislavski como expresión orgánica del teatro ruso.
Valentin Vassilievitch Teplyakov.

EXPERIENCIAS.

-Sobre la construcción del personaje. Trinidad Guevara: de la historia a la representación. escénica.
Pilar de León

-¿Cómo se organiza un Festival Internacional de Teatro?
Laura Fobbio


CRÍTICAS de ESPECTÁCULOS

- El teatro antes del futuro: sobre Mi vida después de Lola Arias.
Pamela Brownell

- Dolor Exquisito: el amor como ciclo performático.
Dolores Curia

-Auténtico, el manifiesto de la diversidad, de José María Muscari.
Teresa Gatto

- El flamenco en Buenos Aires: Calles del Aire de Marcela Suez y Mala Sombra de Omar Pacheco.
Perla Zayas de Lima

-La metamorfosis: el cambio final de Vivian Luz o la resolución al estrabismo kafkiano.
Teresa Gatto

- Kahlo, una biografía en movimiento. Acerca de Su-Frida, viva la vida! de Teresa Duggan.
Claudia Barretta-Leticia Miramontes

-El ineluctable dolor del amor en Es inevitable de Diego Casado Rubio.
Teresa Gatto

-Los difusos límites de la diégesis. Comunidad de Carolina Adamovsky.
Sofía Castaño

-Consideraciones sobre la transformación del estatuto de personaje. Acerca de Mundomudo de Carlos Belloso.
Lucila Glionna

-Entre el actor y el personaje: un acercamiento a Mundomudo.
Victoria Clara ENTEL

-Bodas de Sangre, en Córdoba: la inmortalidad de García Lorca.
Josefina Vargas Fonseca

RESEÑAS BIBLOGRÁFICAS

-Las celebraciones populares como construcción y reafirmación identitaria.

Cecilia Hopkins, Tincunacu. Teatralidad y celebración popular en el Noroeste argentino

Perla Zayas de Lima


-Baile, botella y baraja, el sentido de una consigna.

Ángel G. Quintero Rivera, Cuerpo y cultura. Las músicas “mulatas” y la subversión del baile. Perla Zayas de Lima


-Alianzas y discordias entre la lógica teoría y la díscola ficción. Luis Emilio Abraham, Escenas que sostienen mundos. Mimesis y modelos de ficción en el teatro. María Josefa Barra

-Desafíos a la historiografía oficial.

María Mercedes Jaramillo y Juanamaría Cordones-Cook (compiladoras), Más allá del héroe. Antologia critica de teatro histórico hispanoamericano.

Nora Glickman

PUBLICACIONES RECIBIDAS

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jueves, 10 de diciembre de 2009

CUANDO ME RÍO, LLORO

payasos
(variedad de payasos en compota)
Paula Calcagno: ULRICA
Ana Lía Rascioni: FRESQUETE
Federico Ibarra: BERMEJO
Paula Malfitano: PURA
Dana Prieto: RABANITA
Darío Sakkal : PECHONI
Victoria Eva Bello: LIV ALCÓN
Vanesa Porfirio: MAREA
Viviana Quiroga: COQUITA
Pablo Beneyte: DINAMITA

TRABAJOS DEL TALLER DE CLOWN Entrenamiento 09 de Violeta Naón
Sábados 12 y 19 de diciembre, 22 hs
Club Pedraza Violeta, M. Pedraza 3222 Ciudad de Bs. Aires
humor · amor · bebidas · comidas · música · y más
Reservas e Informes 4542 6831 / Entrada $10.-
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NO ENTENDES QUE ES AMOR?

Un bar de Buenos Aires reúne el melodrama musical de conmovedores personajes destinados a los desencuentros. Entre baladas y boleros, se descubrirán íntimamente unidos en una misma búsqueda, escrita en mayúsculas: NO ENTENDES QUE ES AMOR?el amor
(Teatro en proceso de montado)
Actúan: Guadalupe Aramburu · Ariel Caplan · Pedro Frías · Ariel Muras · Diego Corán Oria · Gabriela Pacheco · Ana Valli ·Natalia Zonis · Gabriela Zonis / Libro y Dirección: Ana Valli

Viernes 11 de diciembre, 23.30 en Teatro La Galera Encantada, Humboldt 1591, Palermo. Reservas: 4771 9295 Entrada: $ 15

Dirección y realización musical: Mariana Agüero y Alejandro Trebino
Coreografía: Pedro Frías
Coach Actoral: Mercedes Mastropierro
Vestuario: María José Frías
Escenografía: Julia Torres
Diseño Gráfico: Juan Barbonaglia
Prensa: Blablabla. Difusión de Espectáculos
Esta obra cuenta con el apoyo de PROTEATRO
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LOS BRUTOS

Breves testimonios de desagradecidos
únicas funciones 11, 12 y 13 de diciembre a las 21
en Salta 1036 · capacidad limitada · entrada $20
los brutos
Actúan: Martin Aletta, Ignacio Manes, Eugenia Grillo y Tomás Friedenthal
Dirección: Mariano Agnone
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jueves, 3 de diciembre de 2009

LA ÚLTIMA VEZ (QUE ME TIRÉ A UN PRECIPICIO)

La fresca e inocente mirada del clown reflexionando sobre la propia existencia.

Viki AlmeidaAgradables y alegres acordes musicales inundan la sala del Teatro El Piccolino preanunciando el comienzo del espectáculo. La melodía va introduciendo a los espectadores en un mundo de fantasía donde todo puede ocurrir. Una mujer en el borde de una cornisa a punto de caer. El suspenso y la expectativa flotan en el aire. Un paso en falso y el desenlace será inevitable. El espacio al aire libre y en la altura es sugerido por los sonidos de los pájaros, el tráfico y las bocinas y contribuyen a aumentar el suspenso y la tensión. Pero lejos de la preocupación, se escuchan las primeras risas de un público que ya está disfrutando de esa imagen inocente y vulnerable que se recorta sobre la pared de ladrillos con su vestido acampanado y su nariz roja. Frente a ella el vacío, lo desconocido, la vida. Una parte de ella se niega a seguir avanzando y quiere volver sobre sus pasos. ¿Podrá entrar “en razones”? ¿Podrá desandar el camino? El descenso, como recorrido existencial, parece ser inevitable. La alegría, como elemento insustituible, trastoca la percepción y transporta al espectador a un mundo distinto. El universo del clown sorprende y el escenario parece estar en otra dimensión donde todo es posible.

Las caídas se sucederán como en un viaje vital ineludible en el que deberá tomar decisiones a cada paso, intentando alcanzar un equilibrio cuya inestabilidad resulta irreversible.
Así se sucederán los diversos instantes de una vida. La relación con los padres, los amigos, los nervios de la primera cita, el amor, el primer beso, el casamiento, la llegada de los hijos, sus primeros pasos, los deseos, la necesidad de aceptación y de afecto, la búsqueda de la propia identidad…

La actriz Victoria Almeida compone un personaje de gran belleza y ternura que guía al espectador en un divertido recorrido en el que, a través de la fresca e inocente mirada del clown, se reflexiona sobre la propia existencia.

La dirección de Mario Luis Marino resulta impecable acompañando el proceso creativo de la actriz y logrando el adecuado ensamble de diversos lenguajes expresivos. La puesta en escena en su totalidad es de gran calidad. Todos los elementos (vestuario, iluminación, música y sonidos, videos, animación digital, fotografía) se destacan por su diseño y expresividad. Uno a uno se van entrelazando como individuales melodías, conformando una agradable textura que estimula los sentidos y crea una interesante atmósfera de fantasía.

Cabe destacar que, siendo en la actualidad más accesible el uso de la tecnología, hemos presenciado en los últimos tiempos gran cantidad de obras de teatro en las que se usan herramientas de cine y video. En la mayoría de los casos se las utiliza para ilustrar una determinada situación o simplemente como un adorno que, si bien resulta agradable visualmente, no agrega nada nuevo al relato. Por el contrario, en “La última vez (que me tiré a un precipicio)”, el lenguaje teatral de las acciones se mixtura de tal manera con la animación, el video y la música, que logran conformar una unidad expresiva de gran significación. El espectador goza de un espectáculo donde los límites entre lo real y lo ilusorio son difusos. La ternura de una clown con su vestido a rayas y su calzón con volados por momentos podrá ser una muñeca o un dibujo animado.
Todos los viernes a las 23 y hasta el 11 de diciembre, la fantasía y la diversión se hacen presente en el Teatro El Piccolino. Para el que busca vivir una excelente experiencia, ver “La última vez (que me tiré a un precipicio)” resulta imprescindible.


Esta nota ha sido publicada por Carlos Folias en Leedor.com
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martes, 1 de diciembre de 2009

REY LEAR de William Shakespeare

Seguramente los seguidores de Shakespeare esperaban un Lear distinto. Algunos de los que seguimos a Alfredo también

Después de la decisión de Alfredo Alcón de retirarse del proyecto “Rey Lear” en el 2006, siendo reemplazado en esa oportunidad por Alejandro Urdapilleta en el rol protagónico y cuyas funciones se realizaron en el Teatro San Martín con la dirección de Jorge Lavelli, ésta era la oportunidad de ver al prestigioso y querido actor en esta obra fundamental del bardo inglés. Alcón es un actor con cualidades muy personales que lo distinguen de otros buenos actores, de los tantos que afortunadamente tenemos en Argentina. Rey LearVerlo junto a Roberto Carnaghi y a Horacio Peña era una oportunidad que no se podía dejar pasar. Con esa expectativa fuimos al Teatro Apolo a ver Rey Lear.

No nos vamos a referir al argumento de la obra de Shakespeare por muchos conocido y además fácilmente disponible en cualquier buscador de la web. Bastará con decir que se trata de una tragedia con las características a las que este dramaturgo inglés nos tiene acostumbrados, donde la naturaleza humana se expone impiadosamente ante nuestros ojos y en la que no faltan intrigas, enfrentamientos, traiciones, ambición, locura, muerte... Nos centraremos en algunas reflexiones surgidas a partir de presenciar la puesta en escena de Rey Lear, en esta oportunidad, versionada por Lautaro Vilo y Rubén Szuchmacher y dirigida por este último.

Desde la observación del material gráfico nos pareció que estábamos inmersos, por lo menos, en algún tipo de equívoco.

Joaquín Furriel y Juan Gil Navarro son dos entusiastas actores pero nos sorprendió verlos en el reparto a continuación de Alfredo Alcón pero por encima de actores prestigiosos como Roberto Carnaghi, Roberto Castro y Horacio Peña. Si bien esto no influye en el desarrollo del espectáculo, nos preguntamos que elementos se habrán tomado en cuenta al decidir el orden de los nombres.
La confusión continuó en el programa donde se indica que Furriel realizará el papel de Edmond y Gil Navarro el de Edgard, y en la representación se muestran exactamente al revés. Nos preguntamos si todo esto no sería un adelanto de las intrigas palaciegas que veríamos seguidamente en el escenario.

Desde lo visual, el diseño escenográfico de Jorge Ferrari y el de iluminación de Gonzalo Córdoba resultan especialmente atrayentes. Grandes y oscuros paneles rectangulares atravesados por líneas luminosas que pueden trasladarse horizontalmente según la escena lo requiera, rejas que suben y bajan del techo, un círculo oscuro y logrados efectos de luz contribuyen a delimitar el espacio y el tiempo provocando un cierto extrañamiento, producto de la mixtura de la tecnología actual con escenas que narran hechos sucedidos en palacios y territorios de Britania hace muchos siglos atrás.

Desde lo auditivo, el diseño sonoro también contribuye a esta mezcla de elementos, común en nuestros postmodernos días, con sirenas y efectos de sonido semejantes a misiles o aviones al momento de anunciarse en el escenario la inminencia de la guerra. El extrañamiento se acentúa cuando se escucha a Lear utilizando vocablos que son comunes en cualquier esquina porteña.

Varios bancos de madera simétricamente dispuestos completan la escenografía. La prolija disposición de los actores en el escenario también evidencia una decisión estética de correspondencia entre todos los elementos. El espectador percibe una grata y ordenada disposición en relación a un centro o eje en el espacio escénico. Nos pareció que podría ser una interesante decisión del director el contraste entre esta armonía geométrica de la puesta en escena y el caos que sobrevendría seguramente a partir del accionar de los distintos personajes. Tratándose de una obra de Shakespeare podría esperarse que con el advenimiento de la acción todo este agradable y apacible ordenamiento de las formas volara por el aire, pero nada de eso ocurre.

A la hora de representar clásicos hay una tendencia a decir los textos con solemnidad y a accionar en un ritmo pausado y ceremonioso, que en nuestros días causa una sensación de anacronismo que acentúa la linealidad de la puesta y contribuye a la idea de que nada está pasando o que pasa siempre lo mismo. El público entiende la escena por las palabras que escucha pero éstas no se corresponden con la acción que ve. En ese sentido se fuerza al espectador a aceptar que cuando los actores mueven las espadas en cámara lenta y el sonido reproduce el rechinar de aceros, los personajes están cargados de furia y odio y se están trenzando en feroz lucha a muerte. En la puesta que nos ocupa, la monotonía solo se altera cuando aparece Edgard (Joaquín Furriel) en calzoncillos o cuando entra a escena el loco o el bufón (Roberto Castro) quien aporta una energía y vitalidad que lamentablemente luego se irá diluyendo.

Toda obra literaria, desde la más modesta a la más prestigiosa, sólo se transforma en teatro a partir del actor. Éste es el que dispone su cuerpo y les da vida a los personajes que hasta ese momento solo habitaban en la imaginación del lector. En esta puesta de Rey Lear se evidencia un importante trabajo individual de cada uno de los actores, destacándose especialmente la labor de Alfredo Alcón, de Roberto Carnaghi y de Horacio Peña, que no solo tienen el talento y la técnica sino que además poseen una vasta experiencia teatral en roles similares. Pero nuestra sensación es que algo se quedó a mitad de camino. Tal vez llevábamos demasiadas expectativas. La presencia de grandes actores y de un director de la calidad de Szuchmacher que ha realizado tantas puestas memorables nos habilitaba posibilidades razonables de disfrute.

Siempre es un placer ver a Alcón. Creemos que como actor tiene características propias que lo distinguen de otros buenos actores y que hacen que el espectador disfrute al verlo en el escenario más allá del personaje que interprete. Pero a él, al igual que a los otros actores, hay que estimularlo en su trabajo creativo, acompañarlo, contenerlo, guiarlo, porque el actor se entrega con lo que tiene y solo se tiene a si mismo, a su cuerpo, más allá de la trayectoria y del hábil manejo de la técnica que utilice. En él residen las emociones y eso que hace que un actor sea distinto a otro en el mismo personaje. Y en este sentido creemos que la mirada externa del director es fundamental. Él es el que guía el trabajo del actor y lo conduce a realizar no lo que le resulta más cómodo a la aplicación automática de una técnica, sino aquello que estimule su acción y su creatividad permitiendo que a través de su cuerpo cobre vida el personaje literario y que sus acciones sean conmovedoras. En este sentido vimos a Alcón muy repetido y desprotegido, falto de esa energía dramática poderosa que mostró en otras realizaciones anteriores. Seguramente los seguidores de Shakespeare esperaban un Lear distinto. Algunos de los que seguimos a Alfredo también.

Entendemos que no es fácil dirigir actores de tanta trayectoria y realizar una puesta de una obra dramática tan importante y compleja. Son muchas las decisiones que el director debe tomar y las elecciones que realiza no siempre son las apropiadas o no siempre la percepción del espectador las aprecia. Es más fácil (aunque también nos enfrenta a disyuntivas) escribir esta nota. La nuestra es solo una mirada más entre miles de espectadores.

El público de la función del viernes 20 aplaudió de pie. Al finalizar, cada uno se llevó algo que antes no tenía. En nuestro caso, ver la fragilidad y desnudez, no la de Furriel en calzoncillos sino la de Lear/Alcón, nos provocó una cierta angustia y las expectativas fallidas, una gran decepción."

Rey Lear de W. Sahakespeare en versión de Lautaro Vilo y Rubén Szuchmacher.
Actúan: Alfredo Alcón, Roberto Carnaghi, Horacio Peña, Roberto Castro, Joaquín Furriel, Juan Gil Navarro, Carlos Bermejo, Paula Canals, Ricardo Merkin, Mónica Santibañez, Julián Vilar, María Zambelli, Luciano Linardi, Paul Mauch y Eduardo Peralta. Dirección: Rubén Szuchmacher
Función del viernes 20 de noviembre en el Teatro Apolo
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Algunos comentarios anteriores de lectores en este blog:
Anónimo (21 nov 09)
Guillermo (9 nov 09)
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jueves, 19 de noviembre de 2009

SOLAS NO MÁS

de Javier Daulte, Jorge Acebo y Matías Herrera.

Actúan: Gisela Sabatella, Mariela Rodriguez, Matías Herrera, Magalí Romero, Natalia Pascale, Florencia Noverasco. Dirección: Jorge Acebo

"En un aparentemente inocuo departamento de dos ambientes de Capital, Alejandra y Clara conviven con sus soledades. La carencia de una compañía masculina y el anhelo melancólico de pasar la vida junto a alguien, han hecho de la soltería una característica inherente a ellas mismas. Cansadas de refugiar en este departamento constantes frustraciones de mujer, deciden emprender juntas su primer intento de buscar a un otro, un hombre. Esta noche no durmieron, pero pese a eso no tienen sueño. Hoy pusieron color a esas pestañas. Hoy se van a animar a ser felices, a soñar. Hoy son dos mujeres que se dan cuenta que pueden hacer de su existencia, un espacio para compartir con un otro. Solas no más, es la crónica de la anhelada cita a ciegas, en la que ambas depositan sus esperanzas y las ansias de superación en la vida. "

Sábados 21 y 28/11 últimas 2 funciones a las 23 en Andamio´90, Paraná 660 (mapa), Ciudad de Buenos Aires, tel.:4373-5670


Espacio escénico: Juan Carlos Rivera
Vestuario: Magalí Romero
Diseño Gráfico: Angeles Figueroa
Diseño de maquillaje: Martín Caramés
Prensa y difusión: Marisol Cambre - Empatía Comunicación
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miércoles, 18 de noviembre de 2009

LAS GONZALEZ

las gonzálezúltimas funciones del año: 22 y 29 de noviembre, 6 y 13 de diciembre.
La hermosa obra de Hugo Saccoccia dirigida por Néstor Romero puede verse en el Teatro del Pueblo los domingos a las 19. Luego retomarán las funciones en febrero.
Cuenta Hugo Saccoccia sobre la obra:
"La vida de un hombre no alcanza para admirar a la mujer, y harían falta varias vidas para comprenderla en su cabal dimensión. Escribí Las González desde la óptica del que admira, intenta comprender y sabe que puede sorprenderse cada día. Las González son un producto social argentino, con la impronta definida de tantos años de autoritarismo. Tuve la intención de rendir homenaje a la mujer de todos los tiempos, esa que los pueblos de todas las razas acallaron por temor a su poder natural."

Toda la info sobre la obra acá: Las González
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martes, 17 de noviembre de 2009

BATIR DE ALAS

batir de alas
de Gilda Bona
"El hambre aprieta como cinturón de la castidad"
Dos mujeres con hambre. Hambre de años, hambre de ahora. Un vínculo casi animal entre una madre “impiadosa” y una hija que busca un escape, su propio “batir de alas”. Las actrices recorren un texto capaz de crear un universo tan singular, a la vez humorístico y crudo, imaginativo y musical, etéreo, terrenal, metafórico y directo en el que el diálogo está prácticamente reinventado.
Actúan: Raquél Albéniz y María Forni / Dirección: Paula Etchebehere.
Últimas dos funciones: Domingo 22 y 29 de noviembre a las 20 en ELKAFKA, Espacio Teatral, Lambaré 866 (mapa), Ciudad de Buenos Aires.
Vestuario: Magali Acha, Paula Etchebehere
Escenografía: Magali Acha
Música original: Lautaro Cottet
Asistencia de dirección: Alejandro Richichi
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EL ÚLTIMO FUEGO

de Dea Loher
"Acaso pasó algo. Algo incompleto como páginas rasgadas. Algo afilado que no podés sacarte de la cabeza. Algo terrible de lo que a uno le gustaría deshacerse. "
Dirección: Ana Alvarado
Actúan: Mario Petrosini/Carolina Tejeda/Claudia Cantero/Claudio Martínez Bel/Guillermo Aragonés/Tatiana Sandoval/Mónica Driollet/Germán Rodríguez/Alberto Montezanti.
Últimas dos funciones: Sábados 21 y 28 de noviembre a las 23 en Espacio Callejón,
Humahuaca 3759 (mapa), Ciudad de Buenos Aires.
Escenografía: Jose Escobar, Alicia Leloutre
Diseño de vestuario: Rosana Barcena
Diseño de luces: Ricardo Sica
Música original: Cecilia Candia
Asistente de producción: Alejandro Barratelli
Asistencia de dirección: Analía Fedra García
Prensa: Carolina Alfonso
Puesta en escena: Ana Alvarado
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MÍSIL CHILDREN

mísil children
Uno no elige cómo recuerda las cosas.
El insomnio reúne a tres hermanas que reconstruyen sus recuerdos a lo largo de una noche.
Dramaturgia y dirección: Mariana Levy
Actúan: Salomé Boustani, Julieta Halac y Luciana Dulitzky
Los sábados a las 23:00 - Hasta el 12/12/2009 en Abasto Social Club, Humahuaca 3649 (mapa), Ciudad de Buenos Aires.
Asistente de dirección: Diego De Gennaro
Escenografía: Cecilia Zuvialde
Diseño de iluminación: Carolina Sosa
Vestuario: Cecilia Zabaleta
Diseño gráfico: Diego De Gennaro
Fotografía y diseño postal: Nicolás Porta
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miércoles, 11 de noviembre de 2009

LA ÚLTIMA VEZ (QUE ME TIRÉ A UN PRECIPICIO)

la última vez
Luego de protagonizar la elogiada El Trompo Metálico de Heidi Steinhardt, Victoria Almeida estrena esta pieza creada junto al americano George Lewis, bajo la dirección de Mario Marino, co autor y director de La Madre Impalpable que protagonizó Jorgelina Aruzzi. En una puesta multidisciplinaria que incluye el uso de tecnología audiovisual, la actriz elige el lenguaje del clown para enfrentar un interrogante nacido de un vacío existencial.

Una Cornisa. Un Clown. Un Precipicio. Una pregunta existencial. Una caída accidental. Lo real al borde de lo ilusorio. El clown al borde del borde. Un viaje surrealista entre la vida y la suerte.

Los Viernes a las 23:00 en Teatro El Piccolino, Fitz Roy 2056, (mapa) Ciudad de Buenos Aires - hasta el 11/12/2009
Ficha Artística - Técnica
Libro e Idea Original: Georges Lewis, Victoria Almeida
Colaboración Dramatúrgica: Mario Luis Marino
Actúa: Victoria Almeida
Composición musical y Coach vocal: Mauricio Mayer
Músicos: Martín Longoni (Contrabajo), Maximiliano Padín (Charango y Ronroco), Andrés Reboratti (Flauta, Clarinete y Saxo Barítono), Mauricio Mayer (Piano)
Ingeniero de mezcla: Santiago Beer
Diseño de Animación digital: Dante Sorgentini
Video Clip: Gonzalo Almeida
Diseño de luces: Omar Posematto, Gonzalo Calcagno
Diseño de vestuario: Victoria Almeida
Modista: Nani Nuñez Campos
Realización escenográfica: Sebastián González
Producción Ejecutiva: Silvina Silbergleit
Diseño Gráfico: Maria José Prenasi
Fotografía: Tatiana Jares
Prensa: Simkin & Franco
Asistencia de dirección: Juan Pablo Baño, Carla Di Battista
Dirección: Mario Luis Marino


Victoria Almeida
Se ha formado con Helena Tritek, Sergio Lombardo, José Cáceres, Martín Salazar, George Lewis (Seatle, EEUU), Ariane Mnouchkine (Paris, Francia) y en el IUNA, entre otros. Se ha perfeccionado en el género clownesco con los docentes Daniel Casablanca, Pablo Algañaraz, Darío Levín, Marina Barbera, Hernán Gené, Marcelo Zapalá y Marcelo Katz entre otros. A lo largo de su carrera ha obtenido los premios Maria Guerrero 2007 “Estímulo”, Mención en premios Teatro del Mundo 2007 “Mejor Actriz” y ha sido nominada a “Revelación” Premios ACE 2008 y los Premios Trinidad Guevara 2008.

En Teatro participó en El amo del mundo bajo la dirección de Rubén Ballester en el Teatro Cervantes; El Trompo Metálico dirigida por Heidi Steinhardt en el Teatro del Pueblo; Cielo Rojo con la dirección Helena Tritek en Timbre 4; Súper Crisol con dirección de Javier Rama, Teatro presidente Alvear; Muñekotes bajo la dirección de Sebastián Pajoni en el Teatro Lola Membrives; Club Casino, dirección: Javier Rama, Teatro Metropólitan; Zorba el griego, dirección Helena Tritek, Teatro El Nacional, Neutrino, dirección Enrrique Federman, C. C. Recoleta, entre otros.

Ha protagonizado varios cortometrajes y largometrajes, es integrante del grupo de clown Ñata Voltage, y ha sido vocalista de la banda de rock nacional Los Twist.
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LA BOCA AMORDAZADA

la boca amordazada
de Patricia Zángaro
"Para que el castigo produzca el efecto que se debe esperar de él, basta que el daño que causa exceda el beneficio que el culpable ha obtenido del crimen." Michel Foucault en Vigilar y Castigar.
Actúan: María Victoria Sainz y María Eugenia Ramallo / Dirección: Gabriel de la Canal
Sábados 14, 21 y 28 de noviembre a las 21.30 en El Nucleo, Calle 6 nº 420 e/4o y 41, (mapa) La Plata, Prov. de Buenos Aires. Tel. 4210589
Viernes 13, 20 y 27 de noviembre a las 21.30 en Pasaje Dardo Rocha 50 e/ 6 y 7, La Plata.

Realización general: Compañía Trashumantes
Vestuario: Maria Eugenia Ramallo, María Victoria Sainz
Iluminación: Máximo Panizza
Sonido: Máximo Panizza
Coreografía: Yamila Cruz Valla
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martes, 10 de noviembre de 2009

CICLO DE TEATRO TBK 2009

ciclo incierto
Del 13 de Noviembre al 13 de Diciembre

TBK Producciones presenta los ganadores del concurso Dramaturgia 09
“PAVO COLONIO”
Autoría y Dirección: Andrés Rapoport
Elenco: Luciana Lifschitz, Max Mirelmann y Matias Hynes /Supervisión de Dirección: Agustín Pruzzo / Viernes 13, 20 y 27 de noviembre, 4 y 11 de diciembre a las 21.
“INOLVIDABLE”
Dramaturgia y Dirección: Christian Lange
Elenco: Ana Franchini, Mariano Scovenna, Juan Lange
Supervisión de Dirección: Susana Torres Molina
Equipo Asesor: Marcelo Bucossi, Marcelo Mangone, y Alfredo Martín
Domingos 15, 22, 29 de noviembre, 6 y 13 de diciembre a las 21.

Invitado Especial: “MONO QUE LADRA”
Dramaturgo: Marcelo Bertuccio
Voz: Mono que Ladra / Guitarra, arreglos y dirección musical: Alejandro Caputo
Flauta traversa: Soledad Hermo /Vestuario: Guadalupe Cuevas
Producción artística y técnica: Javier Alemanno
Función: Sábado 5 de diciembre a las 21hs
Entrada general: $10.- Zona de influencia del teatro: Gratis
Más información: http://www.espaciotbk.com.ar/

Espacio TBK - Trelles 2033 1º (mapa) Ciudad de Buenos Aires. Tel.: 4586 2971

En el año 2007 realizamos TriCiclo, nuestra primer ciclo de teatro que consistió en convocar a tres personalidades del quehacer teatral para que escribieran cada uno de ellas una obra original cuyo eje temático fuera la utilización del espacio escénico común; para que dictaran talleres abiertos a la comunidad y para que sus montajes formaran parte de un ciclo con funciones gratuitas. Dicho espacio escénico cubría la totalidad de las instalaciones de la sala del teatro Espacio TBK, la sala propiamente dicha, el patio/foyer, la boletería/cocina, etc.
Cada uno de los convocados provenía de tres áreas distintas dentro de las artes escénicas, dirección, dramaturgia y escenografía. Ellos fueron Andrés Binetti, Alejandro Mateo y Fernando Berreta.

En el 2008 realizamos Bitácora, el segundo ciclo teatral que consistió en realizar un concurso de dramaturgia de obras de teatro breve escritas por dramaturgos noveles o emergentes, seleccionar las ganadoras, realizar su montaje, producción y realizar funciones gratuitas abiertas a la comunidad, charlas para acercar al público asistente a la trastienda de la escritura, producción y montaje de una obra escénica. Los convocados en el 2007 fueron los jurados que seleccionaron las tres obras entre las 40 que se presentaron al concurso.

Para el 2009 con INcierto nos hemos planteado subir la apuesta respecto a la cantidad de público asistente, trazar los lineamientos para formar una red cultural barrial conjuntamente con las otras 3 salas teatrales enclavadas en la zona de influencia, (El Astrolabio, Nazaca y Escalada), articular estrategias con las 2 ONG barriales (la Asociación Amigos de la avenida San Martín y Adyacencias y la Asociación Amigos de Villa General Mitre), aunar esfuerzos en pos de la recuperación del histórico Cine-Teatro Taricco, y publicar un libro con las obras seleccionadas en el 2007, 2008 y 2009. Para ello se realizó un concurso de dramaturgia de obras de teatro escritas por dramaturgos noveles, se seleccionaron 2 obras ganadoras de entre 39 que se presentaron, se ha realizado su montaje y producción y ambas participarán del ciclo que se llevará a cabo entre el 13 de Noviembre y el 13 de Diciembre de 2009. Los jurados fueron Marcelo Bertuccio, Alejandro Mateo y Walter Rosenzwit

Equipo INcierto

Diseño y realización de escenografía y vestuario: Cinthia Chomski, Sol Benítez
Diseño de iluminación: Héctor Zanollo
Diseño gráfico: Sabrina Segura, Carolina Krieger
Jurado: Marcelo Bertuccio, Alejandro Mateo, Walter Rosenzwit
Idea y producción general: Héctor Segura / TBK Producciones
Prensa: Walter Duche – Alejandro Zárate
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lunes, 9 de noviembre de 2009

BESAME MUCHO

besame mucho
de Javier Daulte
Últimas 3 funciones: Los domingos a las 19:00 hasta el 29/11/2009

Notas relacionadas publicadas en este blog:
17 Set 09:
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SANTA MAMI

Comedia negra e irreverente de Santiago Vergara
¿Sabes a donde va a ir a parar tu mamá una vez que muera? ¿Y si no la podés enterrar?
"Mami era una mujer pía y caritativa como ninguna, sin embargo murió como cualquiera. La velan sus dos hijas, Cuki y Bubi. Cuki viene de Colombia, quiere vender todo y volverse con el dinero. Bubi está destruida, ciega y no puede ni pensar (aunque tampoco pensaba demasiado antes) El problema es que el cajón no hay quién lo mueva ni un centímetro. Para colmo, Mami no está en el cielo, está allí, encerrada con sus dos hijas, transformada en fantasma. Dios ha fallado, es tarea de Mami hacerle ver la verdad para que le abran las puertas del cielo. Sólo hay una manera: ser canonizada / canonizarla."
Actúan: Florencia Seggiaro, Angélica Sarmiento, Mausi Gero, Alfredo Sánchez y Norma Gordon.
Dirección: Alejandra Gargiulo
Los sábados a las 20:30 hasta el 19 de diciembre en Teatro del Viejo Palermo, Cabrera 5567 (mapa), Ciudad de Buenos Aires.

Escenografía: Lucio Tirao
Vestuario: Daniela Zapata
Música: Diego Lozano
Asistente de dirección: Paula Galván
Prensa: ALFA (prensa y comunicación)
Entradas: $35.
Reservas: 4777-4900
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EL BELLO VERANO

bello verano
Estreno mundial de la obra de Henri Beugras
"Leonardo y Magdalena viven en carne propia la crisis de su país, el gobierno les aconseja consumir, pero, no hay forma de conseguir algo consumible. El progreso de la ciudad les preocupa, ambos están sentados en lo que fue su living; a medida que pasa el tiempo, ven que la soledad, y la espera se les hace insoportable. Solo queda vivenciar los mejores momentos de su vida."
Adaptación y Dirección: Alejandro Genes
Actúan: Marcela Gutierrez, Carlos Alberto Miceli
Los viernes a las 22:30 hasta el 18 de diciembre en Multiespacio Los Angeles, Corrientes 1764 (mapa), Ciudad de Buenos Aires.

Traducción: Marie Populus
Diseño de luces: Matías Sendón
Escenografía y vestuario: Alejandro Genes
Maquillaje: Belén Fiorito
Música: Ramiro Cordoba
Diseño Gráfico: Pablo Manglus
Fotografía: Jorge Flores
Voz en Off: Alejandro Sanz
Asistencia de vestuario: Soledad de la Buelga
Asistencia de dirección: Mariana Arrupe, Jimena del Pozo
Prensa: ALFA (prensa y comunicación)

Viernes 22.30hs
Teatro: Los Ángeles Multiespacio
Dirección: Av. Corrientes 1764
Reservas: 4372-2405
Localidades: $40. Estudiantes y jubilados $30

Estreno: 16 de octubre
Fin de temporada: 18 de diciembre
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jueves, 5 de noviembre de 2009

MAL DE MAR

SEIS CLOWNS EN UN VIAJE POR EL MAR DE LA VIDA
Se agregaron 4 nuevas funciones
Los Sábados 7,14,21 y 28 de Noviembre
Viki Almeida (Haydé), Ana Azcurra (Gigí), Mariano Llona (Barroco), Julio Graham (Bromeo), Gonzalo Amor (Sencillo), Pacha Rosso (Ponele)/Diseñación de luces: Martín Patlis/Diseñitud Gráfica: Luciano Labate /Puesta del cuerpo: Ñata Voltage /Vestuariedad: Elena Sapino / Fotografismo: Tatiana Juares
Idea y Dirección: George Lewis / Co-Direccionalidad: Corina Sztryck
Teatro La Galera, Humboldt 1591 (Palermo) Sábados a las 23. Reservas: 4771-9295


“Una espera. El mundo está inclinado. La perspectiva cambia. ¿El mundo está mal? ¿O es que ellos están mal? Un desencuentro los separa. La profunda soledad. El reencuentro los une en su vejez. Recordar los sueños y rejuvenecer hasta ser niños. Buscar la luz para volver a empezar. Seis clowns tratan de comprender el sentido de existir. Un lúdico viaje los atraviesa por un ciclo que pareciera ser eterno pero no lo es. La vida.”

Un espacio vacío de escenografía, objetos o decorados. Las luces y el sonido acompañan una historia que reside principalmente en la expresividad de los cuerpos. Un atractivo y colorido vestuario nos brinda una lograda imagen exterior de la singular interioridad de cada personaje. Los seis actores, en un interesante juego escénico, participan al espectador del maravilloso mundo del clown, sin más herramientas que el propio cuerpo y la propia creatividad. Un exquisito manejo de la voz, de los gestos y de los movimientos, conducen a los asistentes a través de una hermosa aventura teatral.

Sin duda hay un gran trabajo de George Lewis y Corina Sztryck coordinando con eficacia los elementos de la puesta y logrando una atractiva narración a través de acciones e imágenes teatrales conmovedoras y guiando a los actores en su proceso creativo.

El espectador se mantiene atento tratando de no perder un solo detalle de la historia. Cada clown es un mundo. Sus expresiones, sus gestos, sus miradas, la expresividad inigualable del cuerpo humano.
Juego
Emoción
Risas
Asombro
Recuerdos
Risas
Inocencia
Belleza
Risas
Sueños
Risas
Más risas
Y más, y más risas.

Miro alrededor. La magia del teatro parece haber hechizado a los espectadores. La inocencia y la alegría se reflejan en las expresiones. El propio Clown que todos llevamos dentro baila contento en el brillo de las miradas. El hermoso viaje de la vida de la mano de seis queribles y talentosos artistas.

Esta nota ha sido realizada por Carlos Folias para Leedor.com Sitio de Cultura y publicada el 5 de noviembre de 2009.
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miércoles, 4 de noviembre de 2009

FESTIVAL NACIONAL DEL TEATRO EN EL ECuNHi

ECuNHi
Teatro en el ECuNHi presenta:
Primer Festival Nacional de Teatro
VENGA Y VEA EN EL ECuNHi
Del 6 al 15 de noviembre
Entrada Gratuita
Fundación Madres de Plaza de Mayo - Espacio Cultural Nuestros Hijos - Av. del Libertador 8465 (Ex ESMA) Tel: 4703-5089

"Este encuentro que decidimos llevar adelante, fue programado para julio de este año. Pandemia de por medio, nuestros esfuerzos se vieron afectados. De modo que, obstinados, decidimos redoblar la apuesta invitando a más elencos. Tímidamente en julio en cogestión con el Instituto Nacional del Teatro, convocamos a seis elencos de las regiones Argentinas. Hoy, con la incorporación del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, más de veinte espectáculos teatrales y otros tantos de música, completan la programación...

El objeto de esta fiesta, es el de celebrar la integración de nuestras manifestaciones culturales, que son la más cabal muestra de la vitalidad y la transformación en nuestro presente.

El fenómeno teatral en sí mismo es naturalmente transformador y en un espacio como el "hoy" ECuNHi (empecemos ya a escribir esta sigla), elegir este modo de vincularnos nos resulta precísame lo más necesario y justo.

Celebremos pues el derecho de reunirnos y de ver buen teatro y música.

Pretendemos que sea una fiesta de la vida, superando el dolor y sublimando el espanto.

Hay un instante en el que se diluyen todos nuestros paradigmas y toda diferencia social, religiosa o política desaparece. Ese instante de verdad se produce precisamente en el rito escénico. Ahí el mundo se divide en actor y espectador. En la esencia del hecho escénico reside toda posibilidad de transmutar las diferencias que nos separan y conformar una comunidad que por un solo momento, hace posible lo imposible. Que seamos todos iguales.

Nuestras madres son un ejemplo de eso. Brindemos con ellas al calor de las artes.

Este espacio ha sido creado por creer en la afirmación de que el arte hace posible la confluencia de saberes, de valores, de vivencias. El ECuNHi es hoy un espacio que garantiza la unión de todos los que quieren compartir sus expresiones artísticas. Una fiesta de estas características, nos vuelve a reunir en el lado más humano, revirtiendo lo que en otros años fuera arrebatado. En palabras de Antonin Artaud: “… aún cuando la peste lo haya deteriorado totalmente sabe que en sueños no cabe morir, que la voluntad continúa vigente más allá de su negación más absoluta, en esa rara conversión alquímica de la mentira que permite recrear la verdad.

En la ficción resurge la verdad. Se trata de juntarnos para eso. Bienvenidos."

Guillermo Parodi
Coordinador Área de Teatro

Para más información: http://www.nuestroshijos.org.ar/
Colaboración en prensa: Carolina Alfonso - caroalfonso@gmail.com
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lunes, 2 de noviembre de 2009

TRIBUTO A ULISES DUMONT

Ulises DumontA un año de su partida, artistas, familiares y amigos le rindieron homenaje al inmenso actor.

El Salón Dorado del Teatro Nacional Cervantes fue el marco de un merecido homenaje al gran actor argentino Ulises Dumont (1937-2008). En esa magnífica sala, el miércoles 28 de octubre, familiares, amigos, compañeros de trabajo y admiradores nos dimos cita para recordar a este querido y multipremiado actor que nos deleitara con su arte en innumerables películas y obras de teatro y televisión.
Importantes personalidades de la cultura se refirieron a este “duende del teatro” como lo calificara alguna vez China Zorrilla y compartieron historias y anécdotas con Enrique Dumont, hijo de Ulises y con el público asistente...
Se hicieron presentes entre otros, el realizador cinematográfico Eduardo Calcagno, el dramaturgo y actual Presidente de ARGENTORES Roberto (Tito) Cossa, el dramaturgo Carlos Gorostiza, el dramaturgo y director Mauricio Kartun, el actor y director Lito Cruz y el actor, director y actual subdirector del Teatro Cervantes Claudio Gallardou.
Cada uno aportó su punto de vista personal acerca de la personalidad y el talento de Ulises y de su extensa y destacada trayectoria y no faltaron las anécdotas para matizar el momento de recuerdo y emoción.
Gallardou, quien compartió en una oportunidad varios meses de trabajo con Ulises, resaltó la importancia que tenían para él los momentos de filmación y también los de descanso, haciendo referencia a los “fierritos” que Ulises llevaba en el baúl de su auto para preparar las comidas compartidas, lo que hablaba de lo importante que era para él la amistad.
Lito Cruz resaltó la intuición que poseía Ulises para imaginar al personaje e ingresar en la ficción instantes antes de la palabra “acción”, sin ningún tipo de trabajo previo y de forma totalmente espontánea, capacidad que a Lito como actor le resultaba casi mágica. Por otro lado, indicó que Ulises utilizaba mucho la ironía y se refería a él mismo como un “fracasado exitoso”. Dijo Lito: “Era una fiesta trabajar con él... Ulises para mí como actor, era un maestro... un día le dije: Ulises vos sos el mejor actor argentino, y él me respondió: No Lito, nosotros estamos entre los diez mil mejores actores argentinos”.
Roberto Cossa destacó que Ulises estrenó siete de sus trabajos (El avión negro, La Nona, Yepeto, Viejos Conocidos, Los Años Difíciles, No hay que llorar, El Tío Loco), era lo que se dice “un actor fetiche” y “era un placer tenerlo en mis obras”.
Eduardo Calcagno narró una anécdota muy graciosa de una noche en la que lo convencieron a Ulises para ir a un asado y él estaba en silla de ruedas. En un momento ellos entraron a saludar a un amigo y lo dejaron en el patio. Al rato se escuchó un grito: “Hijos de puta se olvidaron al paralítico y está lloviendo acá”, lo que despertó la risa de todos los asistentes. “Ulises era un tipo que se burlaba mucho de sí mismo... si alguien le dijese hoy: Ulises te van a hacer un homenaje, él diría: Qué notable, qué notable!”
Mauricio Kartun destacó la condición tan particular de creador y poeta que poseía Ulises. “En general la poesía carga una especie de condena que parecería encerrarla en la palabra exclusivamente y a veces en el papel pero la verdad es que cualquiera sea el soporte, en cualquier lado donde se generen imágenes, metáforas, música, melodía, siempre hay poesía. En la medida que haya signos y que esos signos puedan ser leídos y si además es buena poesía, bella, expresiva, significante. Yo nunca pude dejar de ver el cuerpo de Ulises como un cuerpo poético. Me parece que esa fue una de las grandes diferencias en relación a buena parte de los actores de su generación. Creo que nuestros actores están tan reconocidos como el actor del realismo, del naturalismo, esos actores que tienen la condición de manejar la verdad, la naturalidad y la emoción, que quedan encerrados en ese límite expresivo y no alcanzan algo que es superador de todo eso que es el “actor poeta”, el actor creador de significado con su propio cuerpo. Y cada vez que vi trabajar a Ulises lo que sentía era que el cuerpo era extraordinariamente más rico que aquel texto que él estaba diciendo, que él conseguía consolidar algo de tanta riqueza con su expresividad que a veces era enormemente más atractivo que el texto. Era uno de esos actores que bajabas el audio y lo entendías igual y a veces entendías mejor. Era uno de esos actores que no necesitaba otra cosa que esos pequeños gestos que él hacía y que salían de lugares insólitos y uno no terminaba de entender cual era la lógica de ese mecanismo de construcción que de pronto terminaban siendo enormemente expresivos.”
Viéndolo actuar a Ulises “sentí algo muy conmovedor, sentí que el lugar último donde se consolidaba la dramaturgia era en el cuerpo del actor. Que escribiese lo que escribiese había algo que nunca iba a lograr, que no había didascalias, acotación o entre paréntesis posible que pudiera dar cuenta de ese pequeño signo que había construido, que era tan rico que a mi me hacía pensar si no valía la pena ahora sacar texto. Si en realidad, ese pequeño gesto no era tan expresivo que podía reemplazar a una parte de lo que había escrito. Creo que tres o cuatro años después yo empecé a dirigir impulsado por lo que me produjo el ponerme a pensar en relación a la dramaturgia creada en el cuerpo del actor. No tengo menos que aprovechar este homenaje para hacerle los créditos a quien de alguna manera me descubrió todo lo que había en ese otro campo”
En referencia a que todo termina en el cuerpo del actor, Enrique Dumont señaló que Ulises “era un dotado para eso, para terminar de definir un personaje en él”. “Tuve la fortuna de tenerlo como padre”, añadió profundamente conmovido, “se me hace difícil hablar porque lo veo desde otro lado... Quiero agradecerle por haberme inculcado muchísimas cosas como el respeto y la pasión por lo que uno hace, el perseverar y el nunca abandonar los sueños digan lo que digan los demás, tratar de ser feliz haciendo lo que a uno le gusta, laburar para ganar el plato de comida y si es buena mejor. Esos mensajes, esas lecciones son las que quedan, muy simples pero profundas. Tuve la suerte de compartir con él mi primer protagónico y su última película, que paradójicamente se llama La Herencia”.
Carlos Gorostiza completó el momento de recuerdos contando una anécdota muy simpática referida al manejo particular del tiempo que tenía Ulises que lo hacía llegar tarde a los ensayos. “Cuando estábamos haciendo La Nona (1977 protagónico de Ulises en teatro con la dirección de Gorostiza) la cita era a las cuatro y Ulises llega cerca de las cinco y en el hall del Teatro La Salle me dice:
_No me digas nada, yo hice la cita con el sicoanalista a las tres para poder estar aquí a las cuatro y no pude pero no me preguntes por qué... ¿Te puedo decir algo más? ¿Cómo haces para llegar temprano?.
Las risas y los aplausos fueron la espontánea reacción de todos los que estábamos en el lugar. Luego se proyectaron algunas imágenes de sus películas y al final nuevamente los aplausos. La inmensa presencia de Ulises Dumont se respiraba en el aire del Salón Dorado del Cervantes y “el duende” se filtraba por los ojos húmedos de los presentes.
Su imagen y la de sus personajes se prolongarán a través del tiempo en la memoria de todos nosotros y en ese lugar privilegiado del corazón reservado a los verdaderos artistas.

Esta nota ha sido realizada por Carlos Folias para Leedor.com Sitio de Cultura y publicada el 01 de noviembre de 2009.
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TERCER CONGRESO INTERNACIONAL DE CLOWN Y PAYASOS DE HOSPITAL

Congreso Clown
Coordinadores: Prof. Cristina Martí (Directora Artística de Clowns no Perecederos) y Dr. José Pellucchi (Director Artístico de Payamédicos).
Toda la información en:

PONENCIAS:
Mariana Brisky
“Armado de Números (biología cómica)”.
Cristina Moreira
“El otro Clown”.
Entrevista a Enrique Federman
Cristian Forteza
“Búster Keaton, Chaplin, Mr. Bean, Tricicle ¿Qué los diferencia y qué tienen en común?”.
Walter Velazquez
“El comediante: No hacerse el gracioso, estar en estado de Gracia”.
Daniel Casablanca
“El actor y la repetición. En cursos, ensayos y funciones”.
Marcelo Katz
“¿Cómo me reciclo? ¿Cómo me redescubro? (Como docente- como Clown - como Director).
Dario Levin
“No todo es lo mismo”.
Ana Laura Kleiner
“Clown y Educación: ¿un romance posible?”.
Pablo Algañaraz – Octavio Bustos
“De la pepita al lingote”. Charla/ demostración de trabajo en torno al proceso de creación de un espectáculo.
Jorge Dubatti
“Para una historia de la risa en el teatro de la Postdictadura. Del Clú del Claun a los NoPe”.
Dr. José Pellucchi
“Psicología de nuestro Clown”. La nueva pedagogia: el Clown al alcance de todos.

TALLERES:
Maby Salerno – Paula Broner.
“De la improvisación al Clown”.
Tomate Avalos.
Globología
Hernán Carbón
“Trampolín para el juego clownesco”.
Osqui Guzmán y Leticia Gonzalez de Lelliz
IMPRO: ”No lo diga, hágalo ”.
Lila Monti
“Caos Payaso”.
Analía Villoria – Eliana Liuni
“El Clown y sus partituras”.
Marina Barbera – Agustín Flores Muñoz
“La música y el Clown”.
Osvaldo Bermudez
“Juegos acrobáticos para el Clown”.
Cristina Martí – Gustavo Lecce – Guillermo Rey
“Entrenamiento para Clowns y…para cualquiera que quiera”.
Pablo Fusco
“Dispuestos en juego. El impulso del presente”.
Alejandro Gruber. Israel
“Milanchelo. Sinfónica de música realizada con sonidos corporales. El cuerpo como caja de resonancia”.
Lic. Liliana Mendez. Grupo de Investigación de Payamédicos en la Temática del Juego.
“Creer para Crear. Juegos de improvisación”.
Dr. José Pellucchi
“Psicología de nuestro Clown”. (construyendo el personaje desde la psiquiatria)

PONENCIAS de Payasos de Hospital y de los Grupos de Estudio e Investigación de Payamédicos:
Mariana Ramos Rousseaux – Lic. Ignacio Usandivara
Payasos del Hospital Italiano
“Una sonrisa el fin de semana, de la recreación al cambio en la cultura institucional”.
Alejandro Gruber. Israel
“El payaso como paciente y el paciente como payaso”.
Fundación MediClaun. Colombia
“El payaso hospitalario un ser saludable”.
Fundación SaludArte. Uruguay
“Estar, sentir, transformar. Implicaciones en juego: el Clown hospitalario desde la psicología y la filosofía”.
Grupo Ser. Uruguay
“Viviendo el hospital desde los sentidos”. Los sentidos son parte de nuestra forma de comunicarnos, ellos nos ayudan a estar más perceptivos y “vivir aquí y ahora”.
Lic. Liliana Méndez – Lic. Vanesa Castro Arata. Payamédicos.
“Payamédicos en dupla. De la pluralidad al pluralismo”.
Grupo de Estudio de Vínculos Tempranos de Payamédicos.
“Little Ramona. Sujetos de prematurez”.
Lic. Liliana Mendez – Dr. José Pellucchi.
“El objeto del Objeto. Perspectivas, transformaciones y rupturas clownescas”.
Grupo de Estudio en Neurociencias de Payamédicos.
“Payamédicos es Salud”.
Presentación de la investigación acerca de cómo la labor de Payamédicos beneficia a recuperación de pacientes hospitalizados.
Payamédicos de la Ciudad de La Plata. Hospital de Niños Sor María Ludovica
“Encuentros en la urgencia. El Payamédico en la maratón de la sala de quemados”.
Grupo de Estudio de Tanatología de Payamédicos.
“Aquí vuelan mariposas”.
Grupo de Estudio de Filosofía de Payamédicos.
“El arco de Iris, una mirada clown de la salud”.
Grupo de Estudio de esquizoanálisis de Payamédicos.
“Esquizoanálisis y Payamédicos”.
Grupo de Estudio en Neurociencias de Payamédicos.
“Yo quiero ser feliz…¿y Usted?”.
Principios científicos (y no tanto) de la felicidad y el bienestar emocional.
Payamédicos de la Ciudad de La Plata. Hospital Rossi
“Tartamudesco Clownesco”.
Payamédicos de la Ciudad de Bahía Blanca.
“Payasísima…un programa de salud y humor”.
Payamédicos de Chaco.
“El entrenamiento en el Teatro, en el Clown, en el Payamédico”.
Grupo de Estudio de Filosofía de Payamédicos
“El Clown según Lacan y según Munie”.
PayamediCine Documental
“Payamedi-Cine. Ética y estética al filmar”.
Payaopinando entre todos
Ateneo de casos con payasos de Hospital de distintos países.
Grupo de Estudio de Filosofía y Clown de Payamédicos
“El Clown y los heterónimos”.
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jueves, 29 de octubre de 2009

SE ENTREGARON LOS PREMIOS ACE

La Asociación de Cronistas del Espectáculo entregó anteanoche los premios cuyas nominaciones informáramos en este blog hace un tiempo:

17 Sep 2009: Premios de la asociacion de cronistas del espectaculo (ACE)

Hoy no nos vamos a referir a cada uno de los ganadores, ni a quienes fueron más aplaudidos, ni a como estaban vestidas las estrellas o al glamour de la noche, datos que por otro lado se pueden obtener en cualquier publicación del país, sino que queremos destacar un premio en particular. Se trata de la Plaqueta Especial ACE otorgada a la Biblioteca Teatral Hueney y al Señor Hugo Sacoccia, su director, por sus 25 años difundiendo el teatro argentino.
Quienes conocemos a Hugo sabemos que además de ser una persona maravillosa y muy cálida, es un trabajador incansable que, lejos de la exposición mediática pero cerca de la gente, desarrolla una actividad enorme en beneficio del teatro y de los actores y dramaturgos.
En Zapala, Provincia del Neuquén, se encuentra la Biblioteca Teatral Hueney fundada en 1984, que posee una infinidad de textos dramáticos que están a disposición de quien lo necesite (escuelas, teatristas, autores, investigadores y público en general). Con la tecnología actual no existen las distancias y la biblioteca recibe consultas y pedidos de textos desde todos los lugares del país, que Hugo con gran dedicación se ocupa personalmente de satisfacer.

Pero la labor no se agota en la biblioteca, también se desarrollan periódicamente concursos nacionales de obras de teatro de humor, que son consideradas por jurados de nivel internacional. Las obras ganadoras, no solo son premiadas, sino que además son publicadas y puestas en escena dentro del Festival Nacional de Teatro de Humor. Una de las primeras notas de este blog se refirió a esa hermosa experiencia que fue el 5º Festival Nacional de Teatro de Humor: ¡Qué grande este festival!.
En esta oportunidad, también se realizó el Congreso Nacional de Dramaturgia en el que participaron importantes dramaturgos argentinos (Carlos Pais, Ricardo Halac. Roberto Perinelli, Alejandro Finzi, entre otros).

Felicitaciones por esta distinción de la Asociación de Cronistas del Espectáculo para Hugo y para los innumerables amigos que lo apoyan en todas estas actividades .

P.D.: Como si esto fuera poco, Hugo Sacoccia (que además es abogado y Juez de menores en Zapala) también es dramaturgo. Actualmente se está representando en el Teatro del Pueblo su obra "Las González". (Después de conocer a este muchacho, cuando no hago algo invento alguna excusa, pero ya no utilizo la expresión "no tengo tiempo")

Notas relacionadas publicadas en este blog:
17 set 09 : Premios de la asociacion de cronistas del espectaculo (ACE)
20 ago 09: Las González

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lunes, 26 de octubre de 2009

DEL AMOR (O EL BANQUETE DE PLATON)

de Darío Portugal Pasache y Lucía Pansera

Hace 2400 años, Sócrates es sentenciado y tiene dos opciones: aceptar la acusación pero consecuente con sus ideas optar por la muerte, o el destierro (que para los griegos significaba el peor de los castigos, renegando de sus principios). En nuestra ficción, Diotima –diosa de la revelación socrática– se corporiza y apareciéndosele, pide que hagan el ejercicio de recordar los pormenores del último Banquete, en el cual se vertieron los elogios al amor. Asimismo, Alcibíades “desnuda” el alma de Sócrates. En lo contemporáneo, dos parejas cruzan sus vidas y se desgarran en la lucha cotidiana por lograr su identidad sexual, “remontándose a su primitiva naturaleza” en “búsqueda de su contraseña perdida”; “mito del andrógino” en un arquetipo humanizado y perenne. ¿Acerca de qué Amor y de quiénes escribiría hoy Platón?

Actúan: Elena Dellaire, Fernando Iglesias, Lucia Pansera, Daiana Popesciel, Alejandro Stordeaur y Jessica Tula.
Dirección: Dario Portugal Pasache

Los sábados a las 21:30 hasta el 28/11/09 en 1/2 MUNDO CLUB DE ARTE, Hipólito Yrigoyen 2148 piso 2 "C" (por escalera) (mapa), Ciudad de Buenos Aires. 4951-8819

Vestuario: Susana Pedrazoli
Maquillaje: Miriam Bascarutti
Música: Ricardo Pontano
Diseño gráfico: Leonardo Cafiero
Asistencia de dirección: EMMA
Prensa: Mariano Casas Di Nardo
Puesta en escena: Dario Portugal Pasache
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DESDICHADO DELEITE DEL DESTINO

desdichado
de Roberto Perinelli
Si no la viste en el Teatro Anfitrión, ni en el Teatro del Pueblo, ni en el Auditorium de Mar del Plata, ni en el Municipal de Olavarría, ni en Salta, ni en España, ni en Perú ni .... Ahora podés verla todos los viernes y sábados a las 21.30 hs. en el Multiespacio Los Angeles, Corrientes 1764 (mapa), Ciudad de Buenos Aires.

5 NOMINACIONES A LOS PREMIOS ACE 2008
Mejor obra argentina (Roberto Perinelli) , Mejor espectáculo de Teatro Alternativo, Mejor dirección (Corina Fiorillo) y dos nominaciones para Mejor actor (Nelson Rueda y Nacho Vavassori)
"Una comedia que habla sobre los vínculos y las distintas costumbres populares argentinas: el mate, la silla en la vereda, el fútbol, el cultivo de flores y la música popular"
Actúan: Belén Brito, Nelson Rueda, Nacho Vavassori
Dirección: Corina Fiorillo


Vestuario: Julieta Risso
Escenografía: Julieta Risso
Iluminación: Soledad Ianni
Fotografía: Soledad Ianni
Asistencia general: Claudio Santibañez
Prensa: Daniel Falcone
Producción ejecutiva: Claudio Santibañez
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MARTES 27: Empiezan las charlas!

Mañana comienza el ciclo de charlas y seminarios dirigidos a todos los interesados en producir y concretar sus propios proyectos o espectáculos.
Diego Casado Rubio
Charla: "¿Se puede ser de teatro y hacer cine?” (Martes 27 de octubre – 20hrs)
Seminario: “Utilización práctica de las herramientas del cine en teatro”
Walter Rosenwitz
Charla: "Actuar en juego” (Martes 27 de octubre – 21hrs) Seminario: “Juegos de Actor”

Del 27 de Octubre al 28 de Noviembre de 2009
En "USINA Cultural del Sur", Bulnes 326 - CABA
Información relacionada publicada en este blog:
04 Jun 09: "Ciclo de Charlas y Seminarios" Leer más...

viernes, 23 de octubre de 2009

BABILONIA

de Armando Discépolo

La acción transcurre en la cocina de la casa de unos advenedizos millonarios entre los criados y sirvientes mientras se celebra en el comedor el compromiso de la niña de la casa. Estrenada en 1925, Discépolo muestra con maestría los conflictos entre los inmigrantes que buscaban un sitio en esta tierra con los "criollos" que se sentían desplazados. También bosqueja una mirada crítica de la compleja composición de éste país.
Actúan: Ana Maria Alarcón, Norberto Carusso, Romina Castillo, Luis Contini, Mariano Contini, Ruben Coscia, Rimski Harmitton, Silvia Lago, Elena Lamas, Yago Minervino, Miriam Moltrasio, Emilio Noceda, Beatriz Taburelli, Sergio Tuñas y Victor Yaquino.
Dirección: Jorge Choren
Los sábados a las 21:30 hs. en Teatro CAM, Cochabamba 3245 (mapa), Ciudad de Buenos Aires, Tel.: 4931-3256 / 4957-0518.
Peinados: Santa Sanchez
Pelucas: Santa Sanchez
Maquillaje: Santa Sanchez
Diseño de vestuario: Jorge Choren
Diseño de escenografía: Jorge Choren
Diseño de luces: Jorge Choren
Realización escenográfica: Ruben Coscia, Ludy Feistel
Realización de vestuario: Elsa Guilera, Ana María Pampin, Ramón Rodríguez
Edición de sonido: Rodolfo Cervantes
Dirección de cabina técnica: Roberto Gennaro
Fotografía: Rodolfo Cervantes
Diseño gráfico: Rodolfo Cervantes
Asesoramiento: Ernesto Fiora
Asistencia de escenario: Soledad Macías
Asistencia de dirección: Ana Maria Alarcón, Luis Contini
Prensa: Luis Contini, Adriana Garea

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NO SECRET

no secret
de Alejandro Pacho Paz.

Un grupo de personas trabaja en una Repartición Estatal, en una misteriosa provincia de la Argentina. Intentará hacerse de la base de datos más compleja y siniestra jamás conocida para incorporar toda la información que pueda imaginarse sobre un sujeto, lo que éste puede potencialmente ser, sus sueños y su inconsciente, todo en un legajo. A su vez, ésta base será la usina que alimentará algo aún más perverso: la instalación de microchips en los cerebros de la población para la posterior manipulación electrónica de ellos con el fin de poder controlar y modificar cada uno de sus deseos individuales.
Actúan: Oscar Dubini, Gonzalo Ferreiro, Sergio Leguizamón, Susana Ochetto, Daniela Sastre y Gustavo Slep.
Dirección: Sherman Torres

Los viernes a las 21 hs. en UNI TEATRO, Guardia Vieja 3360 (mapa), Ciudad de Buenos Aires. Tel.:4867-1296

Voz en Off: Carlos Belloso
Vestuario: Clara Campagnola, Laila Oberti
Escenografía: Alejandro Alonso Marcucci, Agnese Lozupone
Iluminación: Agnese Lozupone
Música original: Rodrigo Gallego
Fotografía: Marcelo de la Fuente, Verónica Virasoro
Arte: Alejandro Alonso Marcucci, Agnese Lozupone
Diseño gráfico: Leandro Ibarra
Asistencia de escenario: Mario Mancine, Gustavo Vizcaíno
Asistente de producción: Fabiana Servidia
Asistencia de dirección: Esteban Vázquez
Prensa: Silvina Pizarro
Producción ejecutiva: Tatiana D'Agate
Producción general: Alejandro Pacho Paz


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