martes, 29 de diciembre de 2009

EL ARDOR de Marcelo D'Andrea

el ardor
ESTRENO 16 DE ENERO 2010
Un mecánico es tomado de las tripas por un locro que devoró.
El ardor estalla en él con su historia de mestizaje, mezcla de naturaleza y cultura.
¿Que movimiento de nuestra historia es más repetido que las luchas intestinas?
La historia del mecánico contada como espasmos de humor.
La repetición de nuestra historia expuesta como tragedia.
Actúa: Marcelo D'Andrea
Dirección: Ricardo Holcer
Los sábados a las 22 en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960 (mapa), Ciudad de Buenos Aires.

Diseño de escenografía e iluminación: Ricardo Holcer
Realización de escenografia: Marcelo D´Andrea
Vestuario: Claudia Curetti
Asistente: Sergio Lapalma

Un solo cuerpo en la escena: el mecánico.
Un hombre en la multitud de su propio cuerpo.
Está dentro de una heladera de carnicería o frigorífico.
Tiene hambre. No comió. Pero devoró un locro.
La ingesta de este símbolo gastronómico de nuestra historia se vuelve indigerible y en el interior de su cuerpo estalla una lucha intestina.
Intenta reparar un motor cuyas descargas eléctricas intensifican su cuerpo-locro y hacen máquina con él.
El mecánico es tomado de las tripas por el locro y su historia de mestizaje, mezcla de naturaleza y cultura.
Va del lenguaje a la arcada en idas y vueltas frenéticas.
Es entonces cuando ocurre la contaminación del dolor por la risa, del sufrimiento por el humor, de la tragedia por la comedia.
Que movimiento de nuestra historia es más repetido que las luchas intestinas?
La historia del mecánico contada como espasmos de humor.
La repetición de nuestra historia expuesta como tragedia.
Es una mezcla, un locro, del que cada uno hereda su parte, aún si no la conoce ni la sostiene.
Toda la memoria del mundo se posa sobre cada pueblo oprimido.
Toda la memoria del yo se juega en cada crisis orgánica.
Las arterias del pueblo al que pertenezco puebla mis arterias.

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miércoles, 23 de diciembre de 2009

CHAMÉ Y GENÉ ESTUDIOS TEATRALES

CURSOS 2010:
CLOWN - BUFON - MASCARA NEUTRA - MELODRAMA - PREPARACIÓN FÍSICA
Para: actores y estudiantes de teatro
Profesores: Gabriel Chamé - Hernán Gené y profesores invitados

cludelclaunObjetivos:
Que los alumnos se entreguen al arte del teatro con pasión y con una técnica depurada. Que sean capaces de crear un teatro personal y personajes sorprendentes por su verdad, belleza y humanidad. Que disfruten en el escenario y que no aburran al público. Nuestro objetivo es que cada uno encuentre el placer durante la creación de un teatro vivo. Para esto, todos los elementos prácticos y teóricos que se brindan en la escuela (preparación física, bufón, máscaras, melodrama, seminarios especiales y nociones de dramaturgia y de puesta en escena, etc.) son fundamentales para comprender y vivir la experiencia. Que comprendan la necesidad de autogestionarse y se transformen en generadores de su propio trabajo.

Podés consultar días, horarios y toda la información en la web de la escuela: http://www.chame-gene.com/
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jueves, 17 de diciembre de 2009

FUEGO ENTRE MUJERES

fuego entre mujeres
En enero José María Muscari estrena Fuego entre Mujeres en el Teatro Tabaris. Se trata de una remake de su éxito Piel de Chancho. Tres mujeres comparten su amor por Sandro y prometen hacer arder el verano.
Actúan: Irma Roy, Dalma Maradona y Mónica Salvador.
Podés seguir los ensayos y las novedades en su blog: http://www.fuegoentremujeres.blogspot.com/

Fuego entre mujeres es la historia de tres mujeres atravesadas por una catástrofe familiar, social y personal, con un humor irónico, mordaz y negro, para tratar temas tan cotidianos como dislocados. Una abuela, que debe transplantarse piel de chancho para dejar de ser un esperpento humano, es agobiada por su hija que, medicada, no se anima a enfrentar su sexualidad, en tanto su nieta, una joven anoréxica y bulímica, sueña con ser Fairuz, mientras se entrega a la agresión.
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TALLERES INTENSIVOS DE ACTUACIÓN

VERANO 2010
Para actores principiantes e intermedios, directores o estudiantes de cine y todo aquel que desee desarrollar su capacidad creativa, imaginación y sensibilidad, mejorar la relación con su cuerpo y sus emociones, explorar, jugar, conocerse y conocer a otros, divertirse y ejercitarse en la actuación.
Docente: Valeria Radivo, actriz, directora y docente de la E.N.E.R.C.
Días y horarios: Enero (2ª Quinc.): Lunes a Jueves 20 a 23 comenzando el 18 de enero (4 clases por semana, 8 clases en total) - Febrero: Lunes y Miércoles de 20 a 23 comenzando el 1 de febrero (2 clases por semana, 8 clases en total)
Lugar: Sanchez de Bustamante 766 – Timbre 4 - Buenos Aires
Valor de cada taller: $ 220 Cupo máximo: 15 personas
Informes e Inscripción: 15 6280 1333 o valeriaradivo@gmail.com

Valeria Radivo se ha formado como actriz con Julio Chávez, Fernando Piernas y Augusto Fernandes y es egresada de la Universidad del Cine como realizadora cinematográfica. Además ha estudiado distintas técnicas corporales y de la voz como danza, bioenergética y Feldenkreis. Se ha desarrollado profesionalmente trabajando como directora de cine y teatro, actriz, coach de actores, guionista y docente.
Desde el año 2001 es Titular de la Cátedra de ''Dirección de Actores I'' en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (E.N.E.R.C.). También, a partir del 2008 dicta junto a Alejandro Casavalle en la E.N.E.R.C. la materia “Dirección de Actores III”. Tiene a su cargo el “Taller de Actuación” en Image Campus, escuela de animación 3D. Además, se desempeña como docente de “Dirección de Cine”, “Dirección de Actores” y “Actuación frente a cámara” en el Centro de Investigación Cinematográfica (C.I.C).
En 2008 dirige la improvisación remota “Código BA” en el marco del festival de teatro Tecnoescena junto a Alejandro Casavalle. Es coguionista junto a Hernán Belón de ''El regreso de Saturno'', guión de largometraje ganador de la beca de la Cinefundación del Festival de Cannes y del guión de largometraje “El Campo”, película que se encuentra actualmente en preparación protagonizada por Mia Maestro y Leonardo Sbaraglia. Dirige dos obras de teatro, ''Furias, cuatro historias'' en 2002 y ''La Mulánima'' en 2003, ambas con el apoyo de Proteatro. Paralelamente, trabaja como coach de actores en publicidad para Altana Films. Dirige varios cortometrajes en video y en fílmico, entre los que se destaca “Perrito“, seleccionado para el Festival Independiente de Buenos Aires, el Festival Williamsburgh Nueva York y el Festival Cinematexas. En el 2003 entrena a los actores de la película ''Pesque y pague'' de Hernán Belón ganadora del concurso del INCAA “Trece peliculas sobre la crisis”. En1999 dirige el documental “Buenos Aires Herzog” producido por el Instituto Goethe y la Universidad del Cine. Se desempeña además como jefa de producción de una serie de cuatro documentales sobre personalidades de las Ciencias Sociales (entre ellos Alain Touraine) realizados con el apoyo de la UNESCO para el canal Encuentro.
Como actriz trabaja en 2007 y 2008 en la obra de teatro ''Mirar el Mar'' dirigida por Susana Pampín y realiza trabajos en cine (“Amores chinos”, largometraje producido por Bastiana Films y Avila TV, Venezuela) y en TV (“Rosa, Violeta y Celeste” en Canal 7, “De aquí a la eternidad” en Foxtoma1). Participa en 2005 de la performance dirigida por Sofía Medici “IPP” en el Centro Cultural Borges y en Estudio Abierto. En 2002 actua en la obra de teatro “Furias” y realiza en 2003 el unipersonal ''Sporca putana'' en el Espacio Freire y el Centro Cultural Pestalozzi. Actualmente se encuentra preparando “La colección“ de Harold Pinter, dirigida por Alejandro Casavalle.
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viernes, 11 de diciembre de 2009

45 AÑOS DE LA ESCUELA ARGENTINA DE MIMO, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN CORPORAL

escuela de mimoCon nueve lustros de trabajo ininterrumpido sobre sus espaldas, la escuela que dirige Ángel Elizondo realizará una serie de espectáculos en diversos espacios teatrales de la ciudad. Obras de teatro, Milongas, proyecciones y muestras de alumnos forman parte de la grilla de actividades. Pionera en su rubro, la institución continúa su tarea de formación de artistas.
Algunas actividades programadas para los próximos días:
Viernes 11/12: A partir de 23hs - Scalabrini Ortíz 1331, Palermo. Día del Tango: Milonga en el Parakultural, con Omar Viola y Parakulturales.
Solicitar entrada con anticipación a los Profesores de la Escuela.
Miércoles 16/12: 18.30hs - Asociación Argentina de Actores. Adolfo Alsina 1762/66
Lo Corporal y el Mimo para el Actor de Teatro. Ángel Elizondo. Ponencia para Congreso de Teatro Iberoamericano y Argentino con proyección de videos y posible asistencia de ex Alumnos Actores.
Jueves 17/12: 20hs - Teatro Lamascara. Piedras 736. Proyección obra KA...KUY
Grabada en Koln. Gira por Alemania. El desnudo. Las prohibiciones. Comienzo en el Di Tella. Presencia de integrantes de la vieja Compañía.
Viernes 18/12: 20hs - Lugar a designar (4382-4743) ACTO EXPERIMENTAL
A cargo de Ángel Elizondo y alumnos avanzados actuales. Diálogo con espectadores. Intervienen: Marcos Cecere, Ximena Lanosa, Javier León, Nicolás Obregón, Sandra Pauli.
Sábado 19/12: 17.30hs - Escuela, Corrientes 1979. La Escuela en la Actualidad.
Clase Abierta a cargo de los Profesores de la Escuela Argentina de Mimo, Expresión y Comunicación Corporal: Lucas Maíz, Julia Elizondo, Nuria Schneller. Con comentarios.
Para jóvenes y adultos. Concurrir con ropa de trabajo.
Estas actividades cuentan con el auspicio de Proteatro, de la Asociación Argentina de Mimo y la adhesión de la Asociación Argentina de Actores.
Sobre la Escuela

La actual Escuela Argentina de Mimo, Expresión y Comunicación Corporal fue fundada en Marzo de 1964 por su actual director: Ángel Elizondo con el nombre de “Escuela de Mimo, Pantomima y Expresión Corporal de Ángel Elizondo”.

A partir de las enseñanzas que Elizondo toma de su viaje a Europa en el que se formó con los Maestros Etienne Decroux, Maximilien Decroux y Jacques Lecoq, la Escuela se crea dando un nuevo enfoque a estos aprendizajes, reelaborándolos, dándoles un matiz más propio, más nuestro del ser Latinoamericano.

En el año 1965, se crea la Compañía Argentina de Mimo de Ángel Elizondo, que en la década del 70 cambia su nombre a Compañía Argentina de Mimo, con la que se presentaron a lo largo de estos 45 años más de 25 espectáculos en teatros y espacios alternativos dentro y fuera del país.

La Escuela propone a través de su trabajo en las clases y en la Compañía una búsqueda seria y profunda del cuerpo en el Mimo, encuadrado en lo que Decroux definió como “Una sucesión de acciones presentes”. De vital importancia en esta búsqueda es la estructura de Liberación y juego, el Objeto liberativo y “el otro”, elementos que surgieron como parte de la experimentación e investigación de Elizondo en la E.A.M con respecto al juego y la verdad actoral.

Una característica importante de la E.A.M es que fue y sigue siendo motor de actividades y propuestas que exceden el marco de la Escuela. Así el primer alumno que tuvo la Escuela, Norberto Campos, formó el grupo Lobo, cuyos espectáculos en el Di Tella fueron revelación para la escena teatral de la época. Entre 1964 y 1971, un ex alumno Alberto Sava organizó su Escuela propia y luego el Primer Congreso y Festival Latinoamericano de Mimo”. En el 2003 se realizó el Festival Latinoamericano de Mimo número 13 organizado por la Asociación Argentina de Mimo, presidida por Sava en ese entonces. En la década del ’80 Omar Viola, Eduardo Bertoglio junto a otros integrante de la Compañía Argentina de Mimo de esos años crearon el Parakultural... y los ejemplos siguen.

La Escuela fue evolucionando adaptándose a los distintos contextos sociales y políticos, superando etapas de represión inclusive, siempre conservando su espíritu inquieto y apasionado en la indagación del lenguaje corporal de la acción. Pero también siempre abierta y con ánimos de renovarse.

Actualmente la Escuela funciona en la Casona del teatro de Beatriz Urtubey y estamos transitando nuestra primera experiencia de cursos cuatrimestrales.

La Compañía Argentina de Mimo continúa trabajando, su último espectáculo dirigido por Elizondo es Vestirse Desvestirse que se presentó con éxito en el 2008 y 2009 en Buenos Aires.



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Revista de Teoría y Crítica Teatral "telondefondo" Nº10

Ya se encuentra on line el N° 10 de telondefondo. Revista de Teoría y Crítica Teatral (http://www.telondefondo.org/), ISSN 1669-6301, primera revista electrónica sobre temas teatrales de la Universidad de Buenos Aires; publicación semestral, de consulta libre y gratuita, indizada en Latindex (Sistema Regional de Información en Línea para Revistas Científicas de América Latina, el Caribe, España y Portugal) y en Intute: Arts and Humanities (Reino Unido).
Podrás encontrar ensayos, el dossier "Teatro chileno hoy", entrevistas, conferencias y análisis de espectáculos...
SUMARIO Año 5, N° 10, diciembre 2009

ENSAYOS
-La teatralidad de/en algunos textos onettianos: el juego con la visibilidad de los procedimientos (muerte, recursividad e incesancia).
Patricia Fischer
-Aproximación lacaniana a Stanislavski: la novela familiar del Sistema.
Gustavo Geirola
-Constructivo/Destructivo: espacialidad, corporalidad y disciplina en la mirada teatral contemporánea.
Natalia Di Sarli - Gustavo Radice
-Lectura semiótica de Un día especial y La que sigue, en Cuatro ejercicios para actrices de Griselda Gambaro.
Josefina Vargas Fonseca
-Voces teatrales libertarias durante el Cordobazo. Una experiencia desde el teatro político.
Carlos Fos
-Affabulazione de Pier Paolo Pasolini: entre el drama clásico y el teatro posdramático.
Paula Riva

DOSSSIER: “TEATRO CHILENO HOY”
(Coordinado por Andrés Pereira Covarrubias)

-Aproximaciones para el estudio de una generación de dramaturgos chilenos contemporáneos: estrategias alegóricas en la obra de Juan Claudio Burgos.
Mauricio Barría Jara

-La escena en riesgo: espacios, políticas e institución (1990-2008).
Benito Escobar Vila

-Líneas de fuga de la fiesta oficial: apuntes en torno al Encuentro de Teatro Porteño Independiente.
Camila van Diest

- Un mapa en el suelo: apuntes sobre las dramaturgias chilenas del Bicentenario.
Cristián Opazo

- Estéticas de la presencia: otros aires en el teatro chileno de principios del siglo XXI.
María José Contreras Lorenzini

-La subversión política. Ideario de lo político y niveles de participación en Carne de Cañón del Colectivo de Arte La Vitrina.
Andrés Grumann Sölter

- Retornos (sobre teatro y hegemonía en Chile después de 2001).
Andrés Pereira Covarrubias

-Historia chica. Problemas elementales en una fiesta de cumpleaños.
Cristián Keim

-Una mirada crítica sobre la historiografía del teatro chileno.
Fabián Escalona

-Un encuentro de camarín con Trinidad González y Paula Zúñiga, actrices de la Compañía Teatro en el Blanco (Neva y Diciembre), durante sus funciones en el FIBA 2009
Ana Corbalán Herrera

-Diálogo entre Soledad Lagos y Cristián Plana, a propósito de Comida alemana, de Thomas Bernhard, el 24 de septiembre de 2009.
M. Soledad Lagos

ENTREVISTAS

-Clima chejoviano en una fotografía marplatense. Entrevista a Mauricio Kartun a propósito de Ala de criados (2009)
Ezequiel Lozano

-Cristina Escofet, derivas de Género y de la Historia.
Teresa Gatto


CONFERENCIAS

-El sistema de Stanislavski como expresión orgánica del teatro ruso.
Valentin Vassilievitch Teplyakov.

EXPERIENCIAS.

-Sobre la construcción del personaje. Trinidad Guevara: de la historia a la representación. escénica.
Pilar de León

-¿Cómo se organiza un Festival Internacional de Teatro?
Laura Fobbio


CRÍTICAS de ESPECTÁCULOS

- El teatro antes del futuro: sobre Mi vida después de Lola Arias.
Pamela Brownell

- Dolor Exquisito: el amor como ciclo performático.
Dolores Curia

-Auténtico, el manifiesto de la diversidad, de José María Muscari.
Teresa Gatto

- El flamenco en Buenos Aires: Calles del Aire de Marcela Suez y Mala Sombra de Omar Pacheco.
Perla Zayas de Lima

-La metamorfosis: el cambio final de Vivian Luz o la resolución al estrabismo kafkiano.
Teresa Gatto

- Kahlo, una biografía en movimiento. Acerca de Su-Frida, viva la vida! de Teresa Duggan.
Claudia Barretta-Leticia Miramontes

-El ineluctable dolor del amor en Es inevitable de Diego Casado Rubio.
Teresa Gatto

-Los difusos límites de la diégesis. Comunidad de Carolina Adamovsky.
Sofía Castaño

-Consideraciones sobre la transformación del estatuto de personaje. Acerca de Mundomudo de Carlos Belloso.
Lucila Glionna

-Entre el actor y el personaje: un acercamiento a Mundomudo.
Victoria Clara ENTEL

-Bodas de Sangre, en Córdoba: la inmortalidad de García Lorca.
Josefina Vargas Fonseca

RESEÑAS BIBLOGRÁFICAS

-Las celebraciones populares como construcción y reafirmación identitaria.

Cecilia Hopkins, Tincunacu. Teatralidad y celebración popular en el Noroeste argentino

Perla Zayas de Lima


-Baile, botella y baraja, el sentido de una consigna.

Ángel G. Quintero Rivera, Cuerpo y cultura. Las músicas “mulatas” y la subversión del baile. Perla Zayas de Lima


-Alianzas y discordias entre la lógica teoría y la díscola ficción. Luis Emilio Abraham, Escenas que sostienen mundos. Mimesis y modelos de ficción en el teatro. María Josefa Barra

-Desafíos a la historiografía oficial.

María Mercedes Jaramillo y Juanamaría Cordones-Cook (compiladoras), Más allá del héroe. Antologia critica de teatro histórico hispanoamericano.

Nora Glickman

PUBLICACIONES RECIBIDAS

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jueves, 10 de diciembre de 2009

CUANDO ME RÍO, LLORO

payasos
(variedad de payasos en compota)
Paula Calcagno: ULRICA
Ana Lía Rascioni: FRESQUETE
Federico Ibarra: BERMEJO
Paula Malfitano: PURA
Dana Prieto: RABANITA
Darío Sakkal : PECHONI
Victoria Eva Bello: LIV ALCÓN
Vanesa Porfirio: MAREA
Viviana Quiroga: COQUITA
Pablo Beneyte: DINAMITA

TRABAJOS DEL TALLER DE CLOWN Entrenamiento 09 de Violeta Naón
Sábados 12 y 19 de diciembre, 22 hs
Club Pedraza Violeta, M. Pedraza 3222 Ciudad de Bs. Aires
humor · amor · bebidas · comidas · música · y más
Reservas e Informes 4542 6831 / Entrada $10.-
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NO ENTENDES QUE ES AMOR?

Un bar de Buenos Aires reúne el melodrama musical de conmovedores personajes destinados a los desencuentros. Entre baladas y boleros, se descubrirán íntimamente unidos en una misma búsqueda, escrita en mayúsculas: NO ENTENDES QUE ES AMOR?el amor
(Teatro en proceso de montado)
Actúan: Guadalupe Aramburu · Ariel Caplan · Pedro Frías · Ariel Muras · Diego Corán Oria · Gabriela Pacheco · Ana Valli ·Natalia Zonis · Gabriela Zonis / Libro y Dirección: Ana Valli

Viernes 11 de diciembre, 23.30 en Teatro La Galera Encantada, Humboldt 1591, Palermo. Reservas: 4771 9295 Entrada: $ 15

Dirección y realización musical: Mariana Agüero y Alejandro Trebino
Coreografía: Pedro Frías
Coach Actoral: Mercedes Mastropierro
Vestuario: María José Frías
Escenografía: Julia Torres
Diseño Gráfico: Juan Barbonaglia
Prensa: Blablabla. Difusión de Espectáculos
Esta obra cuenta con el apoyo de PROTEATRO
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LOS BRUTOS

Breves testimonios de desagradecidos
únicas funciones 11, 12 y 13 de diciembre a las 21
en Salta 1036 · capacidad limitada · entrada $20
los brutos
Actúan: Martin Aletta, Ignacio Manes, Eugenia Grillo y Tomás Friedenthal
Dirección: Mariano Agnone
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jueves, 3 de diciembre de 2009

LA ÚLTIMA VEZ (QUE ME TIRÉ A UN PRECIPICIO)

La fresca e inocente mirada del clown reflexionando sobre la propia existencia.

Viki AlmeidaAgradables y alegres acordes musicales inundan la sala del Teatro El Piccolino preanunciando el comienzo del espectáculo. La melodía va introduciendo a los espectadores en un mundo de fantasía donde todo puede ocurrir. Una mujer en el borde de una cornisa a punto de caer. El suspenso y la expectativa flotan en el aire. Un paso en falso y el desenlace será inevitable. El espacio al aire libre y en la altura es sugerido por los sonidos de los pájaros, el tráfico y las bocinas y contribuyen a aumentar el suspenso y la tensión. Pero lejos de la preocupación, se escuchan las primeras risas de un público que ya está disfrutando de esa imagen inocente y vulnerable que se recorta sobre la pared de ladrillos con su vestido acampanado y su nariz roja. Frente a ella el vacío, lo desconocido, la vida. Una parte de ella se niega a seguir avanzando y quiere volver sobre sus pasos. ¿Podrá entrar “en razones”? ¿Podrá desandar el camino? El descenso, como recorrido existencial, parece ser inevitable. La alegría, como elemento insustituible, trastoca la percepción y transporta al espectador a un mundo distinto. El universo del clown sorprende y el escenario parece estar en otra dimensión donde todo es posible.

Las caídas se sucederán como en un viaje vital ineludible en el que deberá tomar decisiones a cada paso, intentando alcanzar un equilibrio cuya inestabilidad resulta irreversible.
Así se sucederán los diversos instantes de una vida. La relación con los padres, los amigos, los nervios de la primera cita, el amor, el primer beso, el casamiento, la llegada de los hijos, sus primeros pasos, los deseos, la necesidad de aceptación y de afecto, la búsqueda de la propia identidad…

La actriz Victoria Almeida compone un personaje de gran belleza y ternura que guía al espectador en un divertido recorrido en el que, a través de la fresca e inocente mirada del clown, se reflexiona sobre la propia existencia.

La dirección de Mario Luis Marino resulta impecable acompañando el proceso creativo de la actriz y logrando el adecuado ensamble de diversos lenguajes expresivos. La puesta en escena en su totalidad es de gran calidad. Todos los elementos (vestuario, iluminación, música y sonidos, videos, animación digital, fotografía) se destacan por su diseño y expresividad. Uno a uno se van entrelazando como individuales melodías, conformando una agradable textura que estimula los sentidos y crea una interesante atmósfera de fantasía.

Cabe destacar que, siendo en la actualidad más accesible el uso de la tecnología, hemos presenciado en los últimos tiempos gran cantidad de obras de teatro en las que se usan herramientas de cine y video. En la mayoría de los casos se las utiliza para ilustrar una determinada situación o simplemente como un adorno que, si bien resulta agradable visualmente, no agrega nada nuevo al relato. Por el contrario, en “La última vez (que me tiré a un precipicio)”, el lenguaje teatral de las acciones se mixtura de tal manera con la animación, el video y la música, que logran conformar una unidad expresiva de gran significación. El espectador goza de un espectáculo donde los límites entre lo real y lo ilusorio son difusos. La ternura de una clown con su vestido a rayas y su calzón con volados por momentos podrá ser una muñeca o un dibujo animado.
Todos los viernes a las 23 y hasta el 11 de diciembre, la fantasía y la diversión se hacen presente en el Teatro El Piccolino. Para el que busca vivir una excelente experiencia, ver “La última vez (que me tiré a un precipicio)” resulta imprescindible.


Esta nota ha sido publicada por Carlos Folias en Leedor.com
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martes, 1 de diciembre de 2009

REY LEAR de William Shakespeare

Seguramente los seguidores de Shakespeare esperaban un Lear distinto. Algunos de los que seguimos a Alfredo también

Después de la decisión de Alfredo Alcón de retirarse del proyecto “Rey Lear” en el 2006, siendo reemplazado en esa oportunidad por Alejandro Urdapilleta en el rol protagónico y cuyas funciones se realizaron en el Teatro San Martín con la dirección de Jorge Lavelli, ésta era la oportunidad de ver al prestigioso y querido actor en esta obra fundamental del bardo inglés. Alcón es un actor con cualidades muy personales que lo distinguen de otros buenos actores, de los tantos que afortunadamente tenemos en Argentina. Rey LearVerlo junto a Roberto Carnaghi y a Horacio Peña era una oportunidad que no se podía dejar pasar. Con esa expectativa fuimos al Teatro Apolo a ver Rey Lear.

No nos vamos a referir al argumento de la obra de Shakespeare por muchos conocido y además fácilmente disponible en cualquier buscador de la web. Bastará con decir que se trata de una tragedia con las características a las que este dramaturgo inglés nos tiene acostumbrados, donde la naturaleza humana se expone impiadosamente ante nuestros ojos y en la que no faltan intrigas, enfrentamientos, traiciones, ambición, locura, muerte... Nos centraremos en algunas reflexiones surgidas a partir de presenciar la puesta en escena de Rey Lear, en esta oportunidad, versionada por Lautaro Vilo y Rubén Szuchmacher y dirigida por este último.

Desde la observación del material gráfico nos pareció que estábamos inmersos, por lo menos, en algún tipo de equívoco.

Joaquín Furriel y Juan Gil Navarro son dos entusiastas actores pero nos sorprendió verlos en el reparto a continuación de Alfredo Alcón pero por encima de actores prestigiosos como Roberto Carnaghi, Roberto Castro y Horacio Peña. Si bien esto no influye en el desarrollo del espectáculo, nos preguntamos que elementos se habrán tomado en cuenta al decidir el orden de los nombres.
La confusión continuó en el programa donde se indica que Furriel realizará el papel de Edmond y Gil Navarro el de Edgard, y en la representación se muestran exactamente al revés. Nos preguntamos si todo esto no sería un adelanto de las intrigas palaciegas que veríamos seguidamente en el escenario.

Desde lo visual, el diseño escenográfico de Jorge Ferrari y el de iluminación de Gonzalo Córdoba resultan especialmente atrayentes. Grandes y oscuros paneles rectangulares atravesados por líneas luminosas que pueden trasladarse horizontalmente según la escena lo requiera, rejas que suben y bajan del techo, un círculo oscuro y logrados efectos de luz contribuyen a delimitar el espacio y el tiempo provocando un cierto extrañamiento, producto de la mixtura de la tecnología actual con escenas que narran hechos sucedidos en palacios y territorios de Britania hace muchos siglos atrás.

Desde lo auditivo, el diseño sonoro también contribuye a esta mezcla de elementos, común en nuestros postmodernos días, con sirenas y efectos de sonido semejantes a misiles o aviones al momento de anunciarse en el escenario la inminencia de la guerra. El extrañamiento se acentúa cuando se escucha a Lear utilizando vocablos que son comunes en cualquier esquina porteña.

Varios bancos de madera simétricamente dispuestos completan la escenografía. La prolija disposición de los actores en el escenario también evidencia una decisión estética de correspondencia entre todos los elementos. El espectador percibe una grata y ordenada disposición en relación a un centro o eje en el espacio escénico. Nos pareció que podría ser una interesante decisión del director el contraste entre esta armonía geométrica de la puesta en escena y el caos que sobrevendría seguramente a partir del accionar de los distintos personajes. Tratándose de una obra de Shakespeare podría esperarse que con el advenimiento de la acción todo este agradable y apacible ordenamiento de las formas volara por el aire, pero nada de eso ocurre.

A la hora de representar clásicos hay una tendencia a decir los textos con solemnidad y a accionar en un ritmo pausado y ceremonioso, que en nuestros días causa una sensación de anacronismo que acentúa la linealidad de la puesta y contribuye a la idea de que nada está pasando o que pasa siempre lo mismo. El público entiende la escena por las palabras que escucha pero éstas no se corresponden con la acción que ve. En ese sentido se fuerza al espectador a aceptar que cuando los actores mueven las espadas en cámara lenta y el sonido reproduce el rechinar de aceros, los personajes están cargados de furia y odio y se están trenzando en feroz lucha a muerte. En la puesta que nos ocupa, la monotonía solo se altera cuando aparece Edgard (Joaquín Furriel) en calzoncillos o cuando entra a escena el loco o el bufón (Roberto Castro) quien aporta una energía y vitalidad que lamentablemente luego se irá diluyendo.

Toda obra literaria, desde la más modesta a la más prestigiosa, sólo se transforma en teatro a partir del actor. Éste es el que dispone su cuerpo y les da vida a los personajes que hasta ese momento solo habitaban en la imaginación del lector. En esta puesta de Rey Lear se evidencia un importante trabajo individual de cada uno de los actores, destacándose especialmente la labor de Alfredo Alcón, de Roberto Carnaghi y de Horacio Peña, que no solo tienen el talento y la técnica sino que además poseen una vasta experiencia teatral en roles similares. Pero nuestra sensación es que algo se quedó a mitad de camino. Tal vez llevábamos demasiadas expectativas. La presencia de grandes actores y de un director de la calidad de Szuchmacher que ha realizado tantas puestas memorables nos habilitaba posibilidades razonables de disfrute.

Siempre es un placer ver a Alcón. Creemos que como actor tiene características propias que lo distinguen de otros buenos actores y que hacen que el espectador disfrute al verlo en el escenario más allá del personaje que interprete. Pero a él, al igual que a los otros actores, hay que estimularlo en su trabajo creativo, acompañarlo, contenerlo, guiarlo, porque el actor se entrega con lo que tiene y solo se tiene a si mismo, a su cuerpo, más allá de la trayectoria y del hábil manejo de la técnica que utilice. En él residen las emociones y eso que hace que un actor sea distinto a otro en el mismo personaje. Y en este sentido creemos que la mirada externa del director es fundamental. Él es el que guía el trabajo del actor y lo conduce a realizar no lo que le resulta más cómodo a la aplicación automática de una técnica, sino aquello que estimule su acción y su creatividad permitiendo que a través de su cuerpo cobre vida el personaje literario y que sus acciones sean conmovedoras. En este sentido vimos a Alcón muy repetido y desprotegido, falto de esa energía dramática poderosa que mostró en otras realizaciones anteriores. Seguramente los seguidores de Shakespeare esperaban un Lear distinto. Algunos de los que seguimos a Alfredo también.

Entendemos que no es fácil dirigir actores de tanta trayectoria y realizar una puesta de una obra dramática tan importante y compleja. Son muchas las decisiones que el director debe tomar y las elecciones que realiza no siempre son las apropiadas o no siempre la percepción del espectador las aprecia. Es más fácil (aunque también nos enfrenta a disyuntivas) escribir esta nota. La nuestra es solo una mirada más entre miles de espectadores.

El público de la función del viernes 20 aplaudió de pie. Al finalizar, cada uno se llevó algo que antes no tenía. En nuestro caso, ver la fragilidad y desnudez, no la de Furriel en calzoncillos sino la de Lear/Alcón, nos provocó una cierta angustia y las expectativas fallidas, una gran decepción."

Rey Lear de W. Sahakespeare en versión de Lautaro Vilo y Rubén Szuchmacher.
Actúan: Alfredo Alcón, Roberto Carnaghi, Horacio Peña, Roberto Castro, Joaquín Furriel, Juan Gil Navarro, Carlos Bermejo, Paula Canals, Ricardo Merkin, Mónica Santibañez, Julián Vilar, María Zambelli, Luciano Linardi, Paul Mauch y Eduardo Peralta. Dirección: Rubén Szuchmacher
Función del viernes 20 de noviembre en el Teatro Apolo
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Algunos comentarios anteriores de lectores en este blog:
Anónimo (21 nov 09)
Guillermo (9 nov 09)
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